Anoche soñé que había vuelto a Manderly de nuevo

Nominaciones Oscar 2011

2012-01-24T22:30:00.005+01:00

Mejor película

• War Horse (Caballo de batalla)

• The Artist [ver]

• Moneyball: Rompiendo las reglas

• Los descendientes [ver]

• El árbol de la vida

• Midnight in Paris [ver]

• Criadas y señoras [ver]

• La invención de Hugo

• Tan fuerte, tan cerca

Mejor director

• Michel Hazanavicius (The Artist)

• Alexander Payne (Los descendientes)

• Martin Scorsese (La invención de Hugo)

• Woody Allen (Midnight in Paris)

• Terrence Malick (El árbol de la vida)

Mejor actor principal

• Demián Bichir (A Better Life)

• George Clooney (Los descendientes)

• Jean Dujardin (The Artist)

• Gary Oldman (El topo)

• Brad Pitt (Moneyball: Rompiendo las reglas)

Mejor actriz principal

• Glenn Close (Albert Nobbs)

• Viola Davis (Criadas y señoras)

• Rooney Mara (Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres)

• Meryl Streep (La dama de hierro) [ver]

• Michelle Williams (My Week with Marilyn)

Mejor actor de reparto

• Kenneth Branagh (My Week with Marilyn)

• Jonah Hill (Moneyball: Rompiendo las reglas)

• Nick Nolte (Warrior)

• Christopher Plummer (Principiantes)

• Max Von Sydow (Tan fuerte, tan cerca)

Mejor actriz de reparto

• Bérénice Bejo (The Artist)

• Jessica Chastain (Criadas y señoras)

• Melissa McCarthy (La boda de mi mejor amiga)

• Janet McTeer (Albert Nobbs)

• Octavia Spencer (Criadas y señoras)

Mejor película de habla no inglesa

• Bullhead (Bélgica)

• Foot Note (Israel)

• In Darkness (Polonia)

• Profesor Lazhar (Canadá)

• Nader y Simin, una separación (Irán)

Mejor guión original

• Michel Hazanavicius (The Artist)

• Annie Mumolo, Kristen Wiig (La boda de mi mejor amiga)

• J.C. Chandor (Margin Call)

• Woody Allen (Midnight in Paris)

• Asghar Farhadi (Nader y Simin, una separación)

Mejor guión adaptado

• Nat Faxon, Alexander Payne, Jim Rash (Los descendientes)

• John Logan (La invención de Hugo)

• George Clooney, Grant Heslov, Beau Willimon (Los idus de Marzo)

• Aaron Sorkin, Steven Zaillian (Moneyball: Rompiendo las reglas)

• Bridget O'Connor, Peter Straughan (El topo)

Mejor fotografía

• The Artist

• Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres

• La invención de Hugo

• El árbol de la vida

• War Horse (Caballo de batalla)

Mejor banda sonora

• John Williams (Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio)

• Ludovic Bource (The Artist)

• Howard Shore (La invención de Hugo)

• Alberto Iglesias (El topo)

• John Williams (War Horse (Caballo de batalla))

Mejor canción

• Bret McKenzie (Man or Muppet) por Los Muppets

• Sergio Mendes, Carlinhos Brown, Siedah Garrett (Real in Rio) por Río

Mejor montaje

• The Artist

• Los descendientes

• Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres

• La invención de Hugo

• Moneyball: Rompiendo las reglas

Mejor dirección artística

• The Artist

• Harry Potter y las Reliquias de la Muerte - Parte II

• La invención de Hugo

• Midnight in Paris

• War Horse (Caballo de batalla)

Mejor vestuario

• Anonymous

• The Artist

• La invención de Hugo

• Jane Eyre

• W.E.

Mejor maquillaje

• Albert Nobbs

• Harry Potter y las Reliquias de la Muerte - Parte II

• La dama de hierro

Mejor sonido

• Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres

• La invención de Hugo

• Moneyball: Rompiendo las reglas

• Transformers: El lado oscuro de la Luna (Transformers 3)

• War Horse (Caballo de batalla)

Mejores efectos sonoros

• Drive

• Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres

• La invención de Hugo

• Transformers: El lado oscuro de la Luna (Transformers 3)

• War Horse (Caballo de batalla)

Mejores efectos visuales

• Harry Potter y las Reliquias de la Muerte - Parte II

• La invención de Hugo

• Acero puro

• El origen del planeta de los simios

• Transformers: El lado oscuro de la Luna (Transformers 3)

Mejor largometraje animación

• Un gato en París

• Chico & Rita

• Kung Fu Panda 2

• El gato con botas

• Rango

Mejor cortometraje de animación

• Dimanche

• The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore

• La luna

• A Morning Stroll

• Wild Life

Mejor largometraje documental

• Hell and Back Again

• If a Tree Falls: A Story of the Earth Liberation Front

• Paradise Lost 3: Purgatory

• Pina

• Undefeated

Mejor cortometraje documental

• The Barber of Birmingham: Foot Soldier of the Civil Rights Movement

• God is the Bigger Elvis

• Incident in New Baghdad

• Saving Face

• The Tsunami and the Cherry Blossom

Mejor cortometraje de ficción

• Pentecost (C)

• Raju (C)

• The Shore (C)

• Time Freak (C)

• Tuba Atlantic (C)

Las más nominadas:

11 nominaciones: La invención de Hugo
10 nominaciones: The artist
6 nominaciones: War Horse (Caballo de batalla)
6 nominaciones: Moneyball (Rompiendo las reglas)
5 nominaciones: Los descendientes
5 nominaciones: Millenium. Los hombre que no amaban a las mujeres
4 nominaciones: Criadas y señoras
4 nominaciones: Midnight in Paris

« Los descendientes »

2012-01-22T19:30:00.003+01:00

The Descendants

2011

Director Alexander Payne

Guión Alexander Payne, Nat Faxon, Jim Rash

Fotografía Phedon Papamichael

Duración 115 minutos

Reparto

George Clooney, Judy Greer, Shailene Woodley, Matthew Lillard, Beau Bridges, Robert Forster, Mary Birdsong...

Matt King, casado y padre de dos niñas, se ve obligado a replantearse la vida cuando su mujer sufre un terrible accidente que la deja en coma. Intenta torpemente recomponer la relación con sus problemáticas hijas -la precoz Scottie, de 10 años, y la rebelde Alexandra, de 17 - al tiempo que se enfrenta a la difícil decisión de vender las propiedades de la familia. Herederos de la realeza hawaiana y los misioneros, los King poseen en Hawai tierras vírgenes de un valor incalculable.

No todos reaccionamos igual ante la enfermedad o la muerte, pero la manera en la que reacciona esta familia me ha sorprendido. Es así como mientras que la madre de una familia está en el hospital, en coma, debatiéndose entre la vida y la muerte, el resto de la familia continúan con sus vidas.

Esta familia está formada por un padre que desconoce a sus hijas, una madre se dedica a las aventuras acuáticas, una hija adolescente vive interna en un colegio lejos del hogar y una hija pequeña que es eso, una niña pequeña pero muy despierta. Tras el accidente de la madre parece que lo único que les preocupa es conocer lo ésta hacía y con quién.

El director Alexander Payne (Entre copas, 2004) nos muestra un momento cruel y doloroso desde un punto de vista casi cómico, pero sin lograrlo del todo. Los puntos de humor a veces están fuera de lugar. Pretende hacernos ver que en un lugar tan idílico como Hawaii –maravillosa fotografía y maravilloso paraíso-, la vida es tan dura y cruel como en cualquier otro lugar.

El actor George Clooney me ha gustado. Se aleja de sus gestos de seductor y sonrisa irresistible habituales y logra dar a su personaje ese punto dramático sin excesos, ni tópicos, ni sensiblerías con otros momentos más cómicos que producen una sonrisa.

En el resto del reparto están el veterano Beau Bridges y la principiante Shailene Woodley, que da vida a la hija mayor, a la que seguramente volveremos a ver.

Durante toda la película vamos disfrutando de una banda sonora formada por música hawaiana, que nos invita a decir aquello de aloha.

Premios 2011

· Globos de Oro: Mejor película dramática, mejor actor (Clooney).

· BAFTA: 3 nominaciones: mejor película, actor (Clooney) y guión adaptado

Ver la lista completa de nominados

Zinéfilaz: « Mesas Separadas »

2012-01-13T16:50:00.000+01:00

De nuevo es mi momento de publicar en el blog de cine Zinéfilaz. En esta ocasión, he querido viajar hasta una pequeña ciudad inglesa donde un acojedor hotel se anuncia de esta manera:

http://zinefilaz.blogspot.com/2012/01/mesas-separadas.html

« La dama de hierro »

2012-01-09T22:50:00.014+01:00

The Iron Lady
2011

Directora Phyllida Lloyd

Guión Abi Morgan

Música Clint Mansell, Thomas Newman

Fotografía Elliot Davis

Duración 105 minutos

Reparto Meryl Streep, Jim Broadbent, Anthony Head, Richard E. Grant, Roger Allam, Olivia Colman, Nicholas Farrell, Alexandra Roach, Harry Lloyd

La historia se centra en la delicada situación que tuvo que afrontar Margaret Thatcher, la Primera Ministra del gobierno inglés, en los días previos a la guerra de las Malvinas (1982), en la que Gran Bretaña se enfrentó con Argentina.

Mientras se está viendo La dama de hierro, sólo se viene a la cabeza una cosa: Meryl Streep. ¡Qué gran actriz! En cada película que hace nos lo confirma una y otra vez. No se me ocurre nada nuevo que decir.

He visto la versión doblada, así que no he disfrutado de la voz de la actriz. Sí que la he oído en diferentes lugares de la red, y así, he podido compararlo con la Margaret Thatcher original. La similitud del tono, el volumen, el acento y un pequeño seseo es increíble. Aún así, también hay que reconocer el gran trabajo que siempre hace la actriz de doblaje Rosa Guiñón, voz habitual de Meryl Streep, en tantas increíbles películas.

Al casi perfecto parecido físico ayuda especialmente los bien logrados maquillaje, peluquería y vestuario, en el que abundan en exceso los colores azules.

La película no ha sido muy bien acogida ni por los británicos, ni por la familia y no es de extrañar. Se centra principalmente en una Margaret Thatcher anciana, con problemas de demencia senil, que mediante flashbacks va recordando algunos momentos de su vida. Refleja a una mujer ambiciosa y dura, una dama de hierro, que antepuso el poder a su familia y su vida personal.

En su conjunto La dama de hierro, nos recuerda a otras películas biográficas bastante recientes, en las que aunque las películas no tengan demasiada calidad sí lo tienen sus interpretaciones protagonistas, como es el caso de La reina (2006) y La vida en rosa (2007), cuyas actrices principales fueron premiadas con numerosos premios.

Aunque adoro a Meryl Streep y le daría un premio por (casi) todas y cada una de sus interpretaciones, me gustaría más que la premiaran por papeles donde no hace imitaciones de nadie, sino por aquellos papeles a los que ella, y sólo ella, es capaz de dar una vida propia.

Una vez más, puedo exclamar: ¡Bravo Meryl Sreep! ¡Bravo!

Premios:

2011: Globos de Oro: Nominada a Mejor actriz dramática (Meryl Streep)

2011: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor actriz (Meryl Streep)

Ver la lista completa de nominados

Otras películas de Meryl Streep en este blog:
El cazador (1978)
Leones por corderos (2007)

« The artist »

2011-12-19T17:44:00.009+01:00

Ver la lista completa de nominados

« Dos mujeres »

2011-12-16T18:52:00.002+01:00

La ciociara

1960

Director Vittorio De Sica

Guión Cesare Zavattini & Vittorio De Sica (Novela: Alberto Moravia)

Música Armando Trovajoli

Fotografía Gábor Pogány

Duración 100 min

Reparto

Sophia Loren, Jean Paul Belmondo, Raf Vallone, Eleanora Brown

Año 1943. Italia durante los nueve meses de ocupación alemana. Cesira es una mujer que vive en Roma con su hija Rosetta, una adolescente de 13 años. Ante el avance de la guerra, decide huir de la capital y refugiarse en casa de unos parientes, en los montes de Ciociaria, donde es recibida con gran entusiasmo. La vida discurre serena lejos del frente. La bella Cesira conoce a Michele, un joven intelectual que quiere ser partisano y que, enamorado de ella, intenta atraerla a la causa de la libertad.

Ocurra lo que ocurra, hay que seguir hacia delante, es decir, hay que sobrevivir. No dejar que nada ni nadie nos paralice y continuar. Seguir viviendo.

El director italiano Vitorio De Sica, basándose en la novela de Alberto Moravia –al igual que en El limpiabotas (1946)- nos muestra un relato cargado de dureza. Una dureza originada por la destrucción que la guerra provoca no sólo en las ciudades sino en el ser humano. Cómo en unos tiempos difíciles, unos se aprovechan de otros, de los más indefensos. Se trata de una película dura de principio a fin, pero el final es de esos que te ponen un nudo en la garganta y no logras quitártelos de cabeza en mucho tiempo.

Dos mujeres es, en definitiva, una: Sophia Loren. ¡Impresionante! Ella es una madre coraje que busca poder encontrar una vida para su hija y para ella lejos de la triste realidad que las rodea. Sophia Loren destaca sobre todo lo demás. Una interpretación desgarradora en la que se identifica muy claramente esa forma de ser de las mujeres italianas: voz potente acompañada de múltiples gestos con las manos y una cara muy expresiva en la que descubrimos sus miedos, su rabia, su dolor y su amor.

Producida por Carlo Ponti, marido de Sophia Loren, esta grandísima interpretación le valió el Oscar a la Mejor Actriz convirtiéndose además en la primera persona que obtuvo este galardón por una película en la que no se hablaba en inglés. Ha logrado un total de 22 premios por su actuación. A partir de este momento, comenzó su carrera en EEUU con El Cid (1961), donde adquirió fama mundial pero sin dejar de lado el cine italiano.

Del resto del reparto destaca Jean Paul Belmondo, al comienzo de su carrera, que interpreta a un tipo de personaje muy alejado de aquel que le llevaría a la fama. Aquí es un joven intelectual idealista y soñador. También interviene Raf Vallone, aunque en un papel muy corto.

El Neorealismo, una vez más, nos muestra una vida real que, en ocasiones, es cruel, y tiene consecuencias pero a pesar de ello hay que seguir e intentar encontrar una vida real, pero mejor.

« Una mujer es una mujer »

2011-12-08T17:51:00.014+01:00

Una mujer es una mujer

Une femme est une femme

1961

Director Jean-Luc Godard

Guión Jean-Luc Godard

Música Michel Legrand

Fotografía Raoul Coutard

Duración 85 min.

Reparto

Anna Karina, Jean Paul Belmondo, Jean-Claude Brialy

Una stripper quiere tener un bebé. Sin embargo, no consigue convencer a su novio, razón por la cual decide entonces pedir ayuda a su mejor amigo...

Una mujer es una mujer, eso es cierto, pero hay mujeres y mujeres. El director y también guionista Jean-Luc Godard, pretende mostrarnos que cuando una mujer se propone algo, lo consigue, y además hace creer al hombre que ha sido él el que ha tomado la decisión. Para ello, la mujer utiliza todo aquello que se asocia con la feminidad o mejor dicho a las armas de mujer: coquetería, celos, enfados, lágrimas, pucheros, caprichos, enredos… que sus dos pretendientes sufren día a día y que da lugar a situaciones y diálogos un poco surrealistas, y por ello, originales e ingeniosos.

No me gusta demasiado cómo se refleja a la mujer en la película. Esta mujer, no sólo es caprichosa sino que parece una persona superflua y sin demasiadas luces, que quiere llevar a la realidad un capricho, aquí y ahora. Pero no un capricho cualquiera, no, sino el de la maternidad, para el que no parece tener madurez suficiente. Según Jean-Luc Godard, este parece ser el único objetivo de esta mujer. Sólo uno. Con esto quiero decir que aunque son los años 60, al tratarse de la Nouvelle Vague, más moderna y libre, es chocante que el único fin de la mujer sea el que había sido hasta entonces.

Todo gira en torno a Ángela, interpretada por la entonces debutante actriz, y pareja del director, Anna Karina. Todo en ella resulta atractivo. Es una mujer sensual y muy atractiva que gracias al colorido vestuario que utiliza, a juego con sus ojos y sus labios, nos sentimos incapaces de apartar los ojos de ella. Viste básicamente dos colores muy vivos: el rojo y el azul. Estos colores destacan sobre todo en el apartamento de paredes blancas o entre la gente en las calles de un frío y grisáceo París. Su debut fue todo un éxito. En el Festival de Berlín recibió el premio a la mejor actriz 'por reunir cualidades inusuales en una debutante'.

El trío protagonista, es decir el menage a trois, lo completan el novio, Jean-Claude Brialy y el aspirante a serlo, un jovencísimo Jean Paul Belmondo. Cada uno, junto con Anna Karina, logran dar vida a secuencias que son realmente memorables (y otras ridículas) como puede ser el juego de los libros y la lámpara, que me ha gustado especialmente.

La música está muy presente en todo el metraje. Acompaña las conversaciones de los personajes, sobre todo al principio, de forma que parezca que canten más que hablen. Otros momentos presentan una ausencia total de música mientras que otras veces, la música o los sonidos intentan intensificar algún gesto del que está hablando. Una preciosa canción de Charles Aznavour, "Tu t'laisses aller", sustituye a todo un diálogo entre Anna Karina y Belmondo, dando lugar a unos planos llenos de gestos y miradas en los que no hacen falta las palabras.

Se encuentran guiños al cine francés cuando se mencionan Al final de la escapada (1960) del propio Jean-Luc Godard o la pequeña conversación, por así decirlo, entre el personaje de Belmondo y la actriz Jeanne Moreau, en un café, acerca del rodaje de Jules y Jim (1961) de Truffaut.

Señor Godard, como usted, no sé si esto es una comedia o una tragedia, pero desde luego no es una obra maestra como usted se atreve a afirmar con descaro. Es algo diferente, nuevo, descarado y atrevido, eso sí. Es lo que se conoce como la Nouvelle Vague.

Premio especial del Jurado del Festival de Berlín a Una mujer es una mujer, por su originalidad, juventud, atrevimiento e impertinencia.

« Un dios salvaje »

2011-12-01T16:46:00.000+01:00

Carnage

2011

Director Roman Polanski

Guión Roman Polanski y Yasmina Reza

Música Alexandre Desplat

Fotografía Pawel Edelman

Duración 79 minutos

Reparto Kate Winslet, Christoph Waltz, Jodie Foster, John C. Reilly

Dos matrimonios que se reúnen, en principio de manera civilizada, para hablar de la reciente pelea que han tenido sus hijos en un parque. Pero el encuentro se complicará hasta límites insospechados.

¡¡¡¡¿¿Cómo se puede (podemos) llegar a esto tan a menudo??!!!!

Todos hemos discutido alguna vez por cosas que, en el fondo, carecen de importancia, pero que, en la discusión, damos una gran relevancia. Las discusiones empiezan con tema y acaban desvariando de una manera completamente vergonzosa.

Esto es lo que podemos ver desde detrás de la barrera en la nueva película de Roman Polanski. Todo comienza de manera, más o menos, educada y manteniendo las formas. Se trata de una pelea entre niños en un parque…. pero todo depende del color del cristal con que se mire, y una pelea puede pasar a ser un ataque con víctima desfigurada por un malintencionado atacante.

Somos testigos de las diferentes fases por las que van pasando los dos matrimonios: Kate Winslet y Christoph Waltz por un lado y Jodie Foster y John C. Really por el otro. La primera fase, la más educada y correcta, es aquella en la que intentan esclarecer los hechos, pero aquí ya surgen los diferentes puntos de vista. Luego un matrimonio se pone a la defensiva, el otro comienza a atacar, una esposa hecha en cara algo a su marido, luego las mujeres se unen contra ambos hombres, después las mujeres se atacan entre sí… en fin, todas las combinaciones posibles.

La escasa duración de la película ayuda a que el tiempo se pase muy rápido, ya que constantemente está presente un diálogo muy ágil, casi sin pausas, y situaciones que pueden pasar fácilmente en una habitación cerrada, pero que en ningún momento nos parecen previsibles. Todo ello introducido por la deliciosa música de Alexandre Desplat [El escritor (2010), El discuso del rey (2010), El velo pintado (2006)], que sólo se oye durante los títulos.

El director Roman Polanski hace esta adaptación para la gran pantalla de la obra de teatro de Yasmina Reza, que también firma el guión. Los personajes actúan de una manera quizás exagerada, como podría corresponder en una obra teatral.

Me salieron algunas carcajadas, especialmente con el personaje de Christoph Waltz, ya que es el más sarcástico, hipócrita y cínico de los cuatro protagonistas.

No es de lo mejor de Polanski pero esta carnicería, como su exagerado título original dice, entretiene y nos refleja la realidad de una discusión, ¡aunque parezca mentira!

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También en este blog:

. Alexandre Desplat: BSO de El discurso del rey

Zinéfilaz « Tú y yo »

2011-11-25T16:45:00.004+01:00

Una vez más, añado mi pequeña aportación al blog de Cine Zinéfilaz. Debido a que en unos días se cumplen 25 años de la desparición de uno de los actores más populares de su época, Cary Grant, he decidido realizar mi particular y pequeño homenaje hablando sobre una de sus películas.

Ir a Tú y yo

« Take Shelter »

2011-11-20T14:00:00.009+01:00

Take Shelter

2011

Director: Jeff Nichols

Guión: Jeff Nichols

Música: David Wingo

Fotografía: Adam Stone

Reparto: Michael Shannon, Jessica Chastain, Shea Whigham, Katy Mixon
Duración: 123 min.

Curtis vive en un pequeño pueblo de Ohio con su mujer y su hija, una niña sorda de seis años. Curtis empieza a sufrir fuertes alucinaciones apocalípticas. Unas alucinaciones que no sabe si son consecuencia de una enfermedad mental o se trata de premoniciones reales...

No creo que sea una buena clasificación decir que Take Shelter sea un thriller. Más bien se trata de un drama psicológico que nos hace dudar y sospechar de todos los actos que el protagonista lleva a cabo coaccionado por un temor que sólo él siente.

Como espectadores somos testigos de las múltiples pesadillas apocalípticas del protagonista, Curtis, y de los tormentos que éstas provocan en él. Como consecuencia de ello, Curtis intenta averiguar si está al borde de una enfermedad mental mientras prepara un refugio para él y su familia, donde poder sobrevivir a esa tormenta destructora que sólo él teme.

La interpretación de Michael Shannon (Revolucionary Road, 2008) es lo mejor de la película. Logra plasmar en su rostro perfectamente la complejidad de sus dudas y miedos y, como él, no sabemos si es realidad o es sólo un producto de una mente enferma. Como es natural, todo esto tiene consecuencias en su vida familiar y personal. El buen trabajo de Michael Shannon, es la base para que todo resulte creíble.

El personaje de la sufrida esposa de Curtis, está interpretado por Jessica Chastain, que me ha gustado mucho. Esta actriz parece estar en alza. Este año podremos verla, además en El árbol de la vida (2011) y Criadas y Señoras (2011).

Ritmo pausado, buena fotografía y banda sonora, el todavía principiante director y guionista, Jeff Nichols (Shotgun Stories (2007), protagonizada también por Michael Shannon) comienza a destacar dentro del cine independiente.

¿Qué podríamos hacer ante un temor que, queramos o no, domina por completo todos nuestros actos?

Premios 2011

· Festival de Cannes: Premio FIPRESCI. Gran Premio - Semana de la Crítica

· Festival de Sundance: Sección oficial competitiva
· Premios Gotham: Nominada a Mejor película y mejor reparto
· Festival Internacional de Cine de Gijón (película inaugural): Premio Especial del Jurado

« Criadas y señoras »

2011-11-12T17:06:00.006+01:00

The Help
2011

Director Tate Taylor

Guión Tate Taylor

(Novela: Kathryn Stockett)

Música Thomas Newman

Fotografía Stephen Goldblatt

Reparto Emma Stone, Viola Davis, Bryce Dallas Howard, Sissy Spacek, Octavia Spencer, Jessica Chastain, Ahna O'Reilly

Duración 137 min.

Mississippi, años 60. Skeeter es una joven sureña que regresa de la universidad decidida a convertirse en escritora. Su llegada altera la vida de la ciudad e incluso la de sus amigos porque se ha propuesto entrevistar a las mujeres negras que se han pasado la vida al servicio de las grandes familias sufriendo todas las formas de discriminación racial.

Después de haber leído la novela de Kathryn Stockett, tenía ganas de ver la adaptación cinematográfica y ésta no me defraudó nada. Como es normal, la novela profundiza más en los personajes y en las diferentes tramas, pero aún así, la película, dirigida por el principiante Tate Taylor, no se queda atrás.

El guión se centra en el tema principal: la vida -mala vida- de las empleadas del hogar negras en los años 60 en el sur de EEUU. Del sur, sí. Aquel sur que se enorgullecía de tener esclavos y que había perdido la guerra cien años atrás, pero que aún así, y tanto tiempo después, sigue tratando a las personas de distinta raza como seres inferiores a pesar de tratarse ya de nuevas generaciones.

A los cinéfilos nos viene a la cabeza la figura de Mammy (Lo que el viento se llevó, 1939) que a pesar de ser esclava era la que mantenía Tara a flote. De eso no nos cabe duda. Ahora estas nuevas Mammy no son esclavas, pero las tratan como si lo fueran. Por suerte, no todo el mundo es igual y una mujer blanca decide que es hora de mostrar al mundo el verdadero trabajo de estas mujeres. Para ello, decide publicar un libro en el que se cuente la escandalosa verdad.

Las actrices elegidas para dar vida a estos personajes son de lo más acertado. Las más popular es Bryce Dallas Howard (La joven del agua, 2006), que es la mala malísima de esta historia, aunque la protagonista es Emma Stone (Crazy, Stupid, Love, 2011) y Jessica Chastain (El árbol de la vida, 2011; Take Shelter, 2011), es una mujer explosiva y de pocas luces con la que nos encariñamos fácilmente. Sin embargo, de entre todas ellas, las que destacan, sin duda alguna, son dos: la cada vez mejor Viola Davis y la desconocida pero sorprendente Octavia Spencer. Ambas merecedoras de grandes reconocimientos por estos papeles.

Sigo la carrera de Viola Davis desde que en 2008 me dejara de piedra con su corto pero duro e intenso papel en La duda (2008) (por el que sigo pensando que deberían de haberle concedido el Oscar). Su personaje Aibileen, es comedido, no expresa lo que realmente siente. Está cohibida y triste, pero es feliz cuando cuida con cariño de los niños blancos, de los que recibe pequeñas alegrías. Magnífica interpretación que nos llena de ternura y cariño.

Su mejor amiga es Mimmy Jackson, interpretada por Octavia Spencer, y es todo lo contrario a Aibileen. Nadie hace las tartas tan deliciosas como Mimmy pero no puede tener la boca cerrada ante sus jefas, y dice lo que piensa en el momento en que lo piensa.

Perfectamente ambientada -vestuario, maquillaje, peluquería y decorados- alterna momentos de drama y comedia, mientras nos muestra una clara denuncia contra el racismo y un canto a la amistad. La base de su fuerza reside en estas actrices que, sin duda, deberían ir camino del Oscar.

Ver la lista completa de nominados

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También en este blog:

Criadas y señoras de Kathryn Stockett

¿Truco o trato?

2011-10-31T00:01:00.002+01:00

¡Esto es Hollywood!

2011-10-27T17:07:00.005+02:00

El 27 de octubre de 1911, se fundó el primer estudio cinematográfico en un pueblo cercano a Los Ángeles. Aquel pequeño pueblo, desde entonces, ha quedado asociado al mundo del Cine. Estoy hablando de Hollywood.

Desde principios de siglo, los productores de cine había ido trasladándose hacia la costa oeste de Estados Unidos huyendo del monopolio de Thomas Alva Edison en la costa este y atraídos por el inmenso paisaje y la gran cantidad de luz natural (no se utilizaba la luz eléctrica todavía) que allí existía.

Aquellos productores son ahora nombres importantes dentro de la industria cinematográfica: Warner, Goldwing, Fox… Ellos eran los únicos dueños de todo el trabajo que allí se hacía. El resto: actores, directores, guionistas, etc… eran simplemente obreros sin voz ni voto. Esto era el star-system, donde los contratos eran en exclusividad y a largo plazo.

Fue en los años 40 cuando la actriz Olivia de Havilland hizo que esta industria se tambaleara al llevar a los tribunales a este star-system. Tras 18 meses de juicio -Olivia fue castigada sin empleo ni sueldo durante este periodo- la actriz venció y se llegó a crear una nueva Ley. A esta Ley se la empezó a llamar La decisión de Havilland, y ponía fin a ese poder absoluto de los productores.

Hollywood, con sus más y sus menos, cumple hoy 100 años, y todavía sigue deslumbrándonos.

Este letrero gigantesco es Hollywood Sign. Fue creado como campaña publicitaria de una urbanización en 1923, mide 107 metros de longuitud y 14 metros de altura y esta situado en la colina llamada Monte Lee, en Los Ángeles.

50 años de «West Side Story»: su banda sonora

2011-10-19T16:29:00.006+02:00

El 18 de octubre de 1961, hace ahora 50 años, tuvo lugar la premiere en Nueva York de West Side Story. El éxito de crítica y público fue tal que en un mismo cine de París se mantuvo en cartel durante cinco años. Logró 10 Oscars incluido el de mejor banda sonora. La música fue compuesta por Leonard Berstein y la letras escritas por Stephen Sondheim.

Estos son algunos de los fragmentos de su Banda Sonora:

· Prólogo

Fragmento orquestal que acompaña a la cámara mientras se va cercando al West Side. Allí nos encontramos con Riff, el lider de los Jets, chasqueando rítmicamente los dedos. Esta vibrante introducción nos permite conocer la vida en el barrio y los enfrentamientos entre los Jets y los Tiburones, con coreografías de Jerome Robbins.

· Gee, Officer Krupke! (¡Caramba, el policía Krupe!)

El policía impide la los Jets cualquier disturbio en el barrio. En cuanto, éste se va, los Jets explican, en tono de mofa, las razones por las que tanto sus padres como la sociedad los introdujeron en la marginación social.

Mi papá golpea a mi mamá.
Mi mamá me golpea a mi.
Mi abuelo es un comunista.
Mi abuela vende hierba.
Mi hermana lleva un bigote.
Mi hermano lleva un vestido.
¡Dios mío, es por eso que soy un desastre!

· I feel pretty (Me siento atractiva)

Pegadiza canción, a ritmo de vals, que María canta con sus compañeras en el lugar donde trabaja. Transmite la alegría y la ilusión que siente antes de su encuentro con Tony. Es un momento muy divertido debido a las tonterías que hace mientras canta y baila contagiando su alegría.

Me siento atractiva.

Me siento espectacular

y fascinante.

Siento ganas de correr

y bailar de alegría.

Porque me ama

un chico maravilloso.

· María

Después de conocer a María en el baile. Tony pasea por las calles repitiendo el nombre de María como si flotara inmerso en un sueño.

Maria, Maria, Maria, Maria.

Todos los sonidos hermosos del mundo en una sola palabra:

Maria, Maria, Maria, Maria, Maria, Maria.

María, acabo de conocer a una chica llamada María,

y de repente ese nombre nunca será lo mismo para mí.

· America

Quizás la canción más popular de todas. La letra está llena de la ironía de los portorriqueños hacia la vida en esa América llena de oportunidades... si no eres portoriqueño. Explosión de colorido y alegría encabezados por la maravillosa Rita Moreno.

Bernardo: Creo que voy a volver a San Juan.

Anita: Yo sé que barco puedes coger. Bye, Bye!

Bernardo: ¡Todo el mundo me dará una gran ovación!

Anita: ¡Todo el mundo se ha mudado aquí!

· Quintet (Quinteto)

Momento que nos describe el dramático instante en el que las bandas se preparan para el enfrentamiento final. El quinteto está formado por los Jets y los Tiburones por un lado y por otro Tony, María y Anita que cantan al mismo tiempo Tonight.

Los Jets van a tener su día esta noche.

Los Tiburones van a encontrar su camino esta noche.

Los puertoriqueños esperan un lucha limpia,

pero si se monta un estruendo, nosotros lo montaremos bien.

¡Ellos lo empezaron!

· Somewhere (En algún lugar)

Canto final a la esperanza. Una esperanza donde Tony y María lograrán encontrar un lugar en el que puedan ser felices.

Hay un lugar para nosotros
Una hora y el lugar para nosotros
Toma mi mano
Y estamos a mitad de camino
Toma mi mano
Y yo te llevaré
De alguna manera
Algún día
En alguna parte

Zinéfilaz: « ¿Victor o Victoria? »

2011-10-14T17:11:00.002+02:00

Desde muy pequeña me he sentido atrapada por el cine musical. Mis gustos han ido cambiando de un tipo de musical a otro, pero musical al fin y al cabo. Es mi momento de publicar en el blog de cine Zinéfilaz y me he decidido por un musical, que aunque no es clásico, tiene aires de aquel cine de antes pero que además no es sólo un musical. Es una deliciosa comedia llena de diversión, enredos y jazz, en la que el director Blake Edwards nos presenta a una protagonista diferente.

http://zinefilaz.blogspot.com/2011/10/victor-o-victoria.html

« El extraño »

2011-10-06T17:00:00.005+02:00

The Stranger

1946

Director Orson Welles

Guión Anthony Veiller
(Novela: Victor Trivas)

Música Bronislau Kaper

Fotografía Russell Metty

Reparto Edward G. Robinson, Loretta Young, Orson Welles, Philip Merivale, Richard Long, Konstantin Shayne, Billy House

95 minutos

Wilson, un agente de la comisión de crímenes de guerra, está buscando a Franz Kindler, uno de los cerebros de los campos de exterminio nazis, que ha conseguido huir sin dejar huellas. Siguiendo la pista de un antiguo camarada de Kindler llega hasta Harper (Connecticut).

Realizada por encargo, El extraño nunca fue del agrado de su director Orson Welles, pero el tema del que trata estaba en boca de todos ya que la Segunda Guerra Mundial y el nazismo hacía pocos meses que habían sido derrotados. La falta de libertad a la hora de dirigir se aprecia fácilmente al compararlas con otras películas de Welles. Por ejemplo, en El extraño, no hay tantos planos de tipo pica, contrapicado u oblicuos tan característicos del director, que tampoco se hizo cargo del montaje final. A pesar de ello y del desencanto de Welles, la película se rodó en un mes y tuvo un gran éxito de taquilla.

Pero sí que hay algo del genio de Welles, que también caracteriza muchas de sus películas. Se trata de la fotografía y ese juego de claroscuros, de luces y sombras – más bien sombras- en blanco y negro que estuvo a cargo de Russell Metty. (Sed de mal, 1958). En muchas escenas, el personaje de Welles queda oculto en la oscuridad. Tan oculto, como aquello que el propio personaje no quiere desvelar.

El tema principal es sacar a la luz el secreto que oculta el misterioso Charles Rankin, personaje que interpreta el propio Welles, pero también trata el tema del amor. La fiel y enamorada esposa de Rankin, Mary, que interpreta Loretta Young, más habitual en el género de la comedia (Un destino de mujer, 1947), supo expresar el miedo de esa mujer que no acepta que su marido pueda no ser tan buena persona como aparenta. Está completamente cegada por él.

Tengo que decir que tengo una especial predilección por el actor Edward G. Robinson. Con ese aspecto de hombre menudo y bonachón, de mirada penetrante, que supo interpretar grandes personajes con muy dispares registros. Sería un malvado gángster (Cayo Largo, 1948), un inocente profesor involucrado en un crimen (La mujer del cuadro, 1945), un israelita (Los 10 Mandamientos, 1956) o un agente de seguros (Perversidad, 1945), entre otros muchos. Es aquí, Wilson, el perseguidor de Rankin, que para atraparlo es capaz de ponerle trampas muy adecuadas.

Un guión (nominado al Oscar) escrito por Anthony Veiller (Forajidos, 1946; La noche de la iguana, 1964), basado en novela de Victor Trivas, en el que también intervino Welles, sigue siendo todavía un tema controvertido a día de hoy, ya que los horrores del nazismo siguen, desgraciadamente, todavía muy presentes.

No está a la altura de Ciudadano Kane (1941), El cuarto mandamiento (1942), La dama de Shanghay (1947) o Sed de mal (1958), ni tiene unas secuencias –sobre todo las finales- tan extraordinarias como en estas pero hay que darle un lugar importante dentro de la maestría de Orson Welles.

También en este blog:

· En emisión: La guerra de los mundos de Orson Welles

El médico

2011-10-02T11:20:00.001+02:00

Título en español: El médico

Título original: The Physician

Editorial: Círculo de Lectores

Año: 1986

684 páginas

Rob Cole, huérfano a los nueve años, se coloca como aprendiz de un cirujano-barbero, con quien recorre la Inglaterra del siglo XI hasta hacerse hombre. Pero su vocación es aprender a sanar a la gente, por lo que decide viajar a la sensual y turbulenta Persia para aprender la incipiente ciencia médica con el legendario Avicena, servir en la corte del poderoso Sha y participar de los acontecimientos más cruciales de su tiempo.

Se trata de la novela más conocida y más leía del escritor estadounidense Noah Gordon, que se convirtió en un best seller internacional, y que es la primera parte de la trilogía formada por El médico (1986), Chamán (1992) y La doctora Cole (1996).

A pesar de tratarse de una novela de gran extensión no se hace pesada en ningún momento, porque su estructura está formada por capítulos de pocas páginas y párrafos no demasiado extensos que se van leyendo con facilidad.

Desde el principio Noah Gordon nos introduce en las múltiples peripecias del joven protagonista, que para llegar a cumplir su sueño se mete, sin apenas pensarlo, en diferentes mundos donde irá conviviendo con personajes de diferentes culturas y creencias.

En 2012, por su 25 aniversario, se estrenará la adaptación cinematográfica de El médico, con un guión escrito por el propio Noah Gordon y por su hija Lise. Parece ser que el director será el alemán Roland Suso Richter, que ha trabajado principalmente como director de películas para televisión en su país. El rodaje se llevará a cabo entre Gran Bretaña, Alemaria y Marruecos. Del casting no se sabe nada pero el rodaje comenzará muy pronto.

Ya que el guión será fiel al libro, esperemos que los actores y el director estén a la altura de esta estupenda novela que ha vendido más de 8 millones de ejemplares.

« El gran carnaval »

2011-09-24T12:18:00.003+02:00

Ace in the Hole

1951
Director Billy Wilder
Guión Billy Wilder, Lesser Samuels, Walter Newman
Música Hugo Friedhofer

Fotografía Charles Lang Jr.

Reparto Kirk Douglas, Jan Sterling, Robert Arthur, Porter Hall, Frank Cady, Richard Benedict, Ray Teal, Lewis Martin, John Berkes, Frances Dominguez, Gene Evans, Harry Harvey, Frank Jaquet

Duración: 111 minutos.

Charles Tatum es un periodista sin escrúpulos que atraviesa una mala racha a causa de su adicción al alcohol, razón por la que se ha visto obligado a trabajar en un pequeño diario de Nuevo México. Cuando un minero indio se queda atrapado en un túnel, Tatum ve la oportunidad de volver a triunfar en el mundo del periodismo. Entonces, en connivencia con el sheriff del pueblo, no sólo convierte el caso en un espectáculo, sino que, además, retrasa cuanto puede el rescate.

Pocas veces el título en español es acertado a pesar de no tener la menor relación con el título original. Esta vez sí lo es. De la ambición de un periodista sin escrúpulos y con el afán de éxito, un lamentable accidente se convierte en un gran carnaval.

Esta es otra genialidad del gran Billy Wilder, que esta vez se aleja de la comedia para mostrarnos de una forma clara, descarada y crítica el mundo del periodismo –trabajo que ejerció el propio Wilder en su juventud. En esta línea volvería a entrar otra vez años después con la genial Primera Plana (1974). En El gran carnaval, Wilder –esta vez sin su habitual co-guionista I.A.L. Diamond- junto con Lesser Samuels (No way out, 1950), Walter Newman (The Man With the Golden Arm, 1955) refleja el egoísmo y la crueldad en su máxima expresión y sin dar un respiro al espectador. Para ello, utiliza el contraste entre los que están sufriendo realmente frente a aquellos que no ven el sufrimiento, sino la noticia en la primera página de los periódicos.

El periodista, Chuck Tatum, es Kirk Douglas, al que esta vez no tenemos demasiada simpatía, que impone una gran fuerza y pasión a su personaje, que es algo que me ha gustado mucho. Su ambición está por encima de todo. A veces incluso llegamos a pensar que en algún momento se dará cuenta de que su noticia se basa en un hombre moribundo atrapado en una mina, pero como él mismo dice en cierto momento, cuanto más dramática sea la historia, más capta la atención de la sociedad. Las malas noticias son las que venden.

El hombre atrapado en la mina, Leo (Richard Menedict), regenta un bar-gasolinera en medio de la nada. Es una buena persona que confía plenamente en todo lo que el periodista de dice. En el exterior lo esperan un padre anciano y preocupado que no se separa de la entrada de la mina, una madre triste que está continuamente rezando, y una esposa, Lorraine (Jan Sterling), mujer amargada y antigua bailarina en Nueva York a la que Leo adora sin saber realmente que ella sólo quiere abandonarlo sin importarle si logrará salir o no de la mina.

Lorraine intenta huir pero Tatum la hace desistir al convencerla diciéndole que el suceso atraerá a curiosos de todas partes que harán que el bar tenga muchas ganancias. Y así es. El lugar se convierte en un gran carnaval.

Al margen de la crítica al periodismo sensacionalista, también vemos una crítica política y la corrupción de aquellos que sólo ambicionan el éxito, el dinero y el poder. Esto viene reflejado en el personaje del sheriff (Ray Teal), que busca la reelección y presiona al capataz (Frank Jacquet)ofreciéndole futuros trabajos sin no se da demasiada prisa en sacar de la mina a Leo.

En su estreno, El gran carnaval no tuvo buena acogida en EEUU -sí en Europa- debido a que la prensa y los lectores de entonces se vieron reflejados en ella (a día de hoy, el tema sigue siendo actual ¿o no?). Se dijo que Billy Wilder debería ser deportado. La Paramount, realizó cambios e incluso le cambió el título de Ace in the hole a The big carnaval, pero aún así, la película no llegó a funcionar. En Europa se la definió como el ejemplo más brillante del cine norteamericano, y recibió el León de Oro en el Festival de Venecia.

Para Wilder, el malo de la película era el público, que son los que realmente alimentan este tipo de noticias, y justificó así es fracaso de la película.

Genial, cruel y real. Otra gran película de Billy Wilder.

« La strada »

2011-09-14T17:46:00.000+02:00

La strada

1954

Director Federico Fellini

Guión Tullio Pinelli & Federico Fellini

Música Nino Rota

Reparto Giulietta Masina, Anthony Quinn, Richard Basehart, Aldo Silvani, Marcella Rovere

Duración 103 minutos.

Cuando Zampanó, un artista ambulante, enviuda, compra a Gelsomina, la hermana de su mujer, sin que la madre de la chica oponga la menor resistencia. Pese al carácter violento y agresivo de Zampanó, la muchacha se siente atraída por el estilo de vida nómada, siempre en la calle, sobre todo cuando su dueño la incluye en el espectáculo. Aunque varios de los pintorescos personajes que va conociendo en su deambular le proponen que se una a ellos, Gelsomina se mantendrá fiel a Zampanó hasta las últimas consecuencias.

El director, Federico Fellini, nos presenta una historia agridulce de personajes solitarios y opuestos en una Italia de postguerra que sin embargo tienen en común la soledad, la miseria y el no encontrar su lugar en el mundo. Se trata de una obra clave dentro del neorrealismo italiano, que logró en 1954 el Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa.

Sin ninguna duda, lo que realmente brilla en esta película es ese personaje magníficamente interpretado por Giulieta Masina llamado Gelsomina. Gelsomina es la personificación de la inocencia y la ingenuidad tras una mirada infantil y aspecto menudo y pizpireto. Su interpretación nos sobrecoge y nos deja con el corazón encogido. ¡¡Maravillosa Giulieta!!

A otro lado tenemos al cruel y egoísta forzudo artista ambulante Zampanó, interpretado por Anthony Quinn. Desde el momento en el que compra a Gelsomina a su familia nos damos cuenta de cómo es este personaje. Zampanó enseña la realidad de la vida a Gelsomina, sin miramientos. Es un hombre rudo cyuas intenciones son utilizarla para su propio beneficio y a pesar de ello, y de sus malos modos, Gelsomina se mantiene siempre fiel a él.

Gelsomina va saliendo de su mundo de cuento de hadas para darse de golpe con la dura realidad de una vida en la calle. Una strada llena de miseria, que durante unos momentos en el circo se vuelve alegría.

Extraordinaria es la bella fotografía en blanco y negro de Otello Martelli – con quien años después también trabajaría en La dolce vita, 1960- , que es un retrato realista y sórdido de la época.

Pero sobre todo es necesario destacar su banda sonora, compuesta por el siempre brillante Nino Rota. La música de Nino Rota es la guinda indiscutible de las películas de Fellini. Absolutamente maravilloso y conmovedor es el sólo de trompeta que Gelsomina interpreta mientras parece perderse en su propio mundo interior tan diferente al que en realidad está viviendo.

Otro de los muchos aciertos, es el final de la película. Final que no puedo, ni quiero, desvelar pero que logra, si cabe, aumentar nuestro cariño hacia la simpática y tierna Gelsomina.

Premios:

Venecia 1954: León de Plata

Oscar 1956: Mejor película de habla no inglesa

Zinéfilaz cumple un año

2011-09-12T16:25:00.000+02:00

http://zinefilaz.blogspot.com/2011/09/cumpleanos.html

« La piel que habito »

2011-09-06T22:23:00.006+02:00

La piel que habito

2011
Director Pedro Almodóvar
Guión Pedro Almodóvar (Novela: Thierry Jonquet)
Música Alberto Iglesias
Fotografía José Luis Alcaine
Duración 117 min
Reparto Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes, Jan Cornet, Blanca Suárez, Bárbara Lennie, Eduard Fernández, Roberto Álamo, José Luis Gómez, Fernando Cayo, Susi Sánchez

Desde que su mujer sufriera quemaduras en todo el cuerpo en un accidente de coche, el doctor Robert Ledgard, eminente cirujano plástico, dedica años de estudio y experimentación a la elaboración de una nueva piel con la que hubiera podido salvarla: se trata de una piel sensible a las caricias, pero que funciona como una auténtica coraza contra toda clase de agresiones, tanto externas como internas. Para poner en práctica este hallazgo es preciso carecer de escrúpulos, y Ledgard no los tiene. Pero, además, necesita una cobaya humana y un cómplice. Marilia, la mujer que lo cuidó desde niño, es su cómplice más fiel: nunca le fallará. El problema será encontrar la cobaya humana.

Después de las malísimas críticas, de las buenísimas críticas, de las malísimas opiniones, de las buenísimas opiniones, de los pro-almodovarianos y de los anti-almodovarianos, una vez más decidí comprobar por mí misma el nuevo trabajo de Pedro Almodóvar.

La piel que habito es una película redonda. Bien contada e interpretada, que no se deja nada en el tintero o a medias tintas. Que todo lo que en ella ocurre no es al azar. El tema que trata puede no ser del gusto de todos, pero Almodóvar -para mí esta vez un poco menos almodovariano- ha logrado engancharme a esta historia desde el primer minuto. Tiene el toque Almodóvar en algunos momentos en los que pretende poner un punto cómico pero que quizás esté de más. Otro momento típico en su filmografía es la aparición de su hermano durante unos minutos que no aportan nada a la historia sino que simplemente es parte de su cine.

Es una película muy arriesgada. No la puedo clasificar en un único género porque abarca varios de ellos debido a los diferentes momentos vividos por sus protagonistas y las consecuencias de todos sus actos. Para mí, es una película de sentimientos. En cada personaje hay sentimientos encontrados que van evolucionado hacia otros hasta llegar a un final que me ha gustado mucho.

Me ha sorprendido especialmente la interpretación de Antonio Banderas. En mi opinión, Banderas no es un buen actor pero esta vez me ha gustado porque creo que logra transmitir el porqué del extraño comportamiento del cirujano y los cambios que en él se van produciendo. A Marisa Paredes le sienta como un guante, especialmente por su físico, esa ama de llaves tan fiel e incondicional de su patrón.

Especial mención para la nueva chica Almodóvar, Elena Anaya, que transmite esa sensación turbadora que vive su personaje. El director se recrea en mostrarnos su rostro, su cuerpo y especialmente, su piel. Ya habíamos admirado el bello cuerpo de la actriz en Una habitación en Roma (2010), pero ahora además nos damos cuenta de su piel perfecta bajo la mirada de Almodóvar.

Como es habitual en las películas del director manchego me gustaron una vez más, los coloristas decorados, la fotografía y la genial partitura de Alberto Iglesias, donde podemos disfruta del tema 'Se me hizo fácil' interpretado por Concha Buika.

Poco más puedo comentar sin desvelar parte importante de la trama, pero sí que puedo decir que esta última película de Almodóvar, La piel que habito, me ha gustado. No es una de sus mejores películas, pero ha logrado tenerme pegada a mi butaca durante todo su metraje disfrutando de una buena historia dentro del cine español.

Premios 2011:
Festival de Cannes: Premio de la Juventud.

Zinéfilaz: « Avanti! »

2011-09-02T16:42:00.001+02:00

Recargadas a tope las energías, comienzo septiembre con una nueva publicación en el blog de cine Zinéfilaz. Con las maletas, el bronceador, los mapas, el sol y, sobre todo, la evasión todavía presentes, intento con esta nueva entrada no alejarme demasiado de esos momentos tan recientes.

Es bueno comenzar siempre con una sonrisa y alguna que otra carcajada, que muy fácilmente provoca en mi el ingenio del gran Billy Wilder.

http://zinefilaz.blogspot.com/2011/09/avanti.html

Actor y dibujante

2011-07-27T22:02:00.000+02:00

A Carlos Areces lo descubrí bajo el maquillaje del payaso triste de Balada triste de trompeta, pero muchos seguro que ya lo habían hecho antes en películas como El gran Vázquez, Torrente 4: Lethal Crisis, Spanish Movie o en la televisiva Muchachada Nui.

Aunque ha trabajado en las revistas El Jueves y colabora en La Gran Ilusión –cuya sección se llama Anoche Soñé Que Volvía A Manderley...-, yo acabo de descubrirlo como dibujante en colaboración con la revista Fotogramas.

He aquí algunos de sus dibujos, donde agrupa dos famosas películas en una sola.

El cine por Carlos Areces

Más sobre El cine de Carlos Areces en Fotogramas
Revista Fotogramas

« La jungla de asfalto »

2011-07-23T00:38:00.001+02:00

The Asphalt Jungle

1950

Director John Huston

Reparto Sterling Hayden, Louis Calhern, Marilyn Monroe, Jean Hagen, James Whitmore, Sam Jaffe, John McIntire, Marc Lawrence, Anthony Caruso

112 minutos

La meticulosa planificación de un atraco a una joyería, por parte de una banda de delincuentes, le sirve a Huston para ofrecer un poderoso relato lleno de intensidad, amén de un realista e insuperable estudio de personajes y sus motivaciones.

El robo perfecto que bajo la mirada de John Huston se desarrolla en un tipo de atmósfera característica del cine negro.

Magnífico guión adaptado también por Ben Maddow y el propio Huston a partir de la novela del mismo título escrita por W.R. Burnett en 1949. Será la primera parte de una trilogía donde el autor hace una clara denuncia de la corrupción.

El enfoque del argumento siempre es desde el punto de vista de los protagonistas, que en este caso son un grupo de delincuentes en horas bajas que deciden unirse para lograr un gran golpe en una prestigiosa joyería. Un plan bien hecho pero en el que van surgiendo complicaciones.

Los actores están magníficos. El trabajo de el actor Sam Jaffe, el organizador del robo, realiza una interpretación perfecta metiéndose en la piel de un expresidiario de origen alemán que sueña con retirarse después del golpe. Recibió por su trabajo una nominación como mejor actor secundario a los Oscar de 1950, pero el ganador de aquella edición fue George Sanders por Eva al desnudo. Recibió también las nominaciones a mejor director, mejor guión y mejor fotografía.

El resto de los protagonistas quiero destacar Louis Calhern como abogado altivo, corrupto y arruinado con una mujer enferma y una jovencísima amante interpretada por Marilyn Monroe. Se trata de uno de los primeros papeles de Marilyn donde todavía no era el mito en el que se convertirá pocos años después.

Y por último está Sterling Hayden, - para mi siempre será Johnny Guitar (1954)- que también aquí es un pistolero con eternos problemas de dinero debido a las apuestas y cuya chica, Jean Hagen consigue transmitidos la angustia, el miedo y el amor que su personaje siente por el pistolero.

Huston logra que sintamos simpatía por estos delincuentes, por lo que llegamos a pensar que son unos pobres diablos con mala suerte, pero también sentimos cierta repulsión ante las miradas del viejo y mezquino abogado hacia su joven y rubia amante que podría ser su nieta.

Como en todo el cine negro, la fotografía en blanco y negro llena de grandes contrastes enfatiza aún más las vicisitudes de los personajes en unas escenas siempre nocturnas, pero que logra un gran contraste con la luminosidad de la escena final.

Al mismo tiempo, Miklós Rózsa firma una partitura de escasa duración (unos 6 minutos). Muchos momentos se desarrollan en un silencio casi sepulcral consiguiendo así enfatizar el momento aún más si cabe.

Un obra maestra de personajes desesperados que parece que se vende más por la realmente minúscula intervención de Marilyn que por su gran calidad que destila de principio a fin.

'Nada'

2011-07-20T15:59:00.000+02:00

Título en español: Nada

Título original: Intet

Autora: Janne Teller

Editorial: Seix Barral

Publicación: 2000

Páginas: 158

Pierre Antón deja el colegio el día que descubre que la vida no tiene sentido. Se sube a un ciruelo y declama a gritos las razones por las que nada importa en la vida. Tanto desmoraliza a sus compañeros que deciden apilar objetos esenciales para ellos con el fin de demostrarle que hay cosas que dan sentido a quiénes somos. En su búsqueda arriesgarán parte de sí mismos y descubrirán que sólo al perder algo se aprecia su valor. Pero entonces puede ser demasiado tarde.

No lo elegí yo.

Lo eligieron por mí y me invitaron a leerlo. Me dijeron que era un tema muy duro. No siempre me gusta leer cosas de tanto peso, pero ante la insistencia y sus pocas páginas me animé a entrar en Nada.

Lo leí en un par de días.

El comienzo es bastante corriente e incluso un poco flojo pero luego el argumento comenzó a interesarme y quise comprobar en esas páginas si algo que comienza como un juego inocente entre adolescentes puede llegar puede mantener esa inocencia hasta el final… ahora lo sé.

Como los protagonistas de la novela, todos nos planteamos de vez en cuándo qué sentido tiene nuestra vida o, si estamos de bajón, directamente pensamos que no lo tiene. Ellos intentan demostrar que hay cosas que sí que tienen significado. ¿Qué cosas son esas?

La escritora danesa Janne Teller vio como en el año de la publicación de Nada en 2000, la novela generó mucha controversia generando grandes debates llegando a ser prohibida en algunos lugares. Diez años después, en 2010, Nada ha empezado a crecer gracias al boca a boca y es lectura recomendada en los colegios.

Yo también la recomiendo. Lo hago en especial para aquellos que leyeron El guardián entre el centeno de Salinger o hayan visto la película alemana La ola (2008).

¿Nada importa?

¿Todo importa?

« Plácido »

2011-07-11T17:10:00.004+02:00

Plácido

1961

Director Luis García Berlanga

Guión Rafael Azcona, Luis García Berlanga, José Luis Colina, José Luis Font

Reparto Cassen, José Luis López Vázquez, Elvira Quintillá, Amelia de la Torre, Julia Caba Alba, Amparo Soler Leal, Manuel Alexandre, Mari Carmen Yepes, Agustín González, Luis Ciges, Antonio Ferrandis

85 minutos

En una pequeña ciudad de provincias, a unas burguesas ociosas se les ocurre la idea de organizar una campaña navideña cuyo lema es: "Siente a un pobre a su mesa". Se trata de que los más necesitados disfruten por una noche del calor y el afecto que no tienen, compartiendo la Nochebuena con familias pudientes. En medio de los preparativos se encuentra Plácido, que ha sido contratado para participar con su motocarro en la cabalgata, pero surge un problema que le impide centrarse en su trabajo: ese mismo día de Nochebuena vence la primera letra del motocarro, que es su único medio de vida.

Después de ver Los jueves, milagro no me ha quedado otra opción que ver Plácido animada en parte por la cantidad de recomendaciones que he recibido. Y las recomendaciones tenían razón. ¡Me ha gustado mucho!

Realizada en pleno Franquismo, el director y guionista Luís García Berlanga tuvo que lidiar, una vez más, con la censura ya que la idea surge de una campaña navideña creada por el Régimen cuyo lema era siente a un pobre en su mesa. Lo que se pretendía con ello era alabar la caridad franquista, pero bajo la mirada de Berlanga, lo que se nos muestra es prácticamente todo lo contrario: limpiar la conciencia de los más privilegiados.

La primera opción de Berlanga y del resto de los guionistas -entre ellos Rafael Azcona- era utilizar como título el mismo lema franquista, Siente a un pobre en su mesa, pero la censura se lo prohibió, por lo que se decidieron por darle el nombre de uno de los personajes que prácticamente está presente en todas las escenas: el buenazo de Plácido.

El entonces humorista Cassen, nunca había trabajado en el cine pero aún así, fue elegido para interpretar al muy honrado Plácido, cuyo único propósito es lograr el dinero necesario para pagar la letra de su motocarro, que expira ese mismo día de Nochebuena, y es su única fuente de ingresos.

Del resto del reparto, destaca el gran José Luís López Vázquez, que interpreta a un hombre egoísta y de falsa moral, como el resto de los personajes burgueses todos ellos repletos de cinismo. Pero clavados en nuestra memoria se quedan tanto los personajes cínicos como los personajes tristemente manipulados por los anteriores gracias al gran trabajo de los actores y actrices de nuestro cine: Julia Caba Alba, Agustín González, Amparo Soler Leal, Amelia de la Torre, Manuel Alexandre, Antonio Ferrandis, etc…

En 1962 fue una de las películas nominadas al Oscar a la Mejor película de habla no inglesa.

Estupenda banda sonora cuya principal y pegadiza melodía acompaña a unos originales títulos de crédito iniciales que nos introducen ya en lo que veremos a continuación.

Comedia negra, sarcástica, crítica, agresiva y burlona en la España franquista. Una obra maestra del cine español.

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También en este blog:
Los jueves, milagro de Luís García Berlanga

« Los jueves, milagro »

2011-07-05T20:33:00.010+02:00

Los jueves, milagro
1957

Director Luis García Berlanga
Guión Luis García Berlanga, José Luis Colina

Reparto José Isbert, Richard Basehart, Paolo Stoppa, Alberto Romea, Juan Calvo, José Luis López Vázquez, Félix Fernández, Manuel Alexandre, Mariano Ozores, Félix Briones

85 minutos

Fontecilla, un pueblo que vivió tiempos de esplendor coincidiendo con el auge de su balneario, sobrevive a duras penas gracias al campo y a un limitadísimo turismo que apenas deja beneficios. Su empobrecimiento es tal que ya ni el tren para en la estación. Don Ramón, el dueño del balneario, harto de su escasa y poco aristocrática clientela, en connivencia con el alcalde, el maestro, el barbero, el dueño del hotel y don José, un acaudalado propietario del lugar, urde un plan: organizar una "aparición mariana", como la de Lourdes, que atraiga al turismo y a los devotos.

Otra genialidad de Luís García Berlanga en la que vuelve a vérselas con la censura en esta película en la que dinero y milagros van de la mano. Por supuesto que Berlanga tuvo que ceder ante la censura, ‘cediendo’ la dirección de algunas escenas a Jordi Grau.

Aún así, su crítica no pasa indiferente ante el espectador.

La idea inicial es el enriquecimiento del pueblo y con ello, los bolsillos de aquellos que en él conviven. Así, pues, queriendo emular a otros pueblos con apariciones marianas, concretamente, Fátima, el dueño del balneario, el médico, el maestro, el alcalde, etc… crean el milagro.

Los jueves, milagro, es una comedia crítica para una historia insólita que cuenta con grandes actores del cine español donde, como suele pasar, Pepe Isbert destaca sobre el resto. Y es que este entrañable actor es capaz de crear unos personajes llenos de matices pero con propia personalidad, acentuada con ese físico y esa voz tan particulares. Y es que ver a Isbert caracterizado de un desmemoriado San Dimas –antiguo ladrón- que se aparece bajo unas luces celestiales de un oscuro jueves al más ingenuo del pueblo, Manuel Alexandre, es una de las partes más divertidas de la película.

Hasta aquí, la que podíamos decir es la primera parte de la película. Es entonces cuando los creadores del milagro comienzan a sorprenderse realmente…

La forma en que Berlanga nos introduce en el pueblo es asombrosa. La secuencia de las goteras y su ritmo musical al caer en los diferentes cuencos, teteras, jarrones… es genial, porque ya se sabe que no llueve nunca a gusto de todos. Otra cosa que me ha gustado especialmente es la forma de pasar de una secuencia a otra: a veces no hay corte sino que la transición se hace continua.

Dos cosas me llamaron la atención: el sacerdote está interpretado por José Luís López Vázquez, sin embargo no tiene su voz característica. No sé si se debe a que todavía no era habitual en el actor o que no le pega al personaje. La otra cosa es un pequeño papel interpretado por un niño, al que ahora conocemos como el gran actor cómico Luis Varela.

Para los que nos gusta el cine clásico, podemos ver cierta similitud entre esta película y la maravillosa ¡Qué bello es vivir! (1946) de Fran Capra e incluso de otras películas de Capra.

Los jueves, milagro, pero hay milagros y milagros…

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También en este blog:
Plácido de Luís García Berlanga

« El cazador »

2011-06-29T21:27:00.005+02:00

The Deer Hunter

1978

Director Michael Cimino

Reparto Robert De Niro, Meryl Streep, Christopher Walken, John Savage, George Dzundza, John Cazale, Amy Wright, Joe Grifasi, Chuck Aspegren

183 minutos

Tres amigos, amantes de la caza, que trabajan como obreros en una fábrica de fundición de acero de Pennsylvania, pasan juntos las últimas horas antes de despedirse para ir a luchar como voluntarios a la guerra de Vietnam, una guerra que les cambiará a todos la vida para siempre.

Su carta de presentación es: película de guerra.

No estoy de acuerdo.

Se desarrolla durante la Guerra de Vietnam, eso es cierto, pero no se puede englobar a El cazador como una película más sobre ese conflicto. Para mí, El cazador trata principalmente de la amistad.

Una amistad profunda que no cesa ni en los momentos en los que la propia vida corre peligro sino que se refuerza y se siente.

Este grupo de amigos está encabezado por un Robert De Niro en unos de los mejores trabajos de su carrera, es el líder del grupo y asume un papel de protector sobre el resto del que nunca reniega. De Niro confiesa que es su trabajo más duro y cansado pero que el director Michael Cimino pudo sacar todo lo mejor que había en él.

Otro de los amigos es Christopher Walken, que aunque no es un actor que me guste, su actuación que nos deja a todos de piedra por lo complicado del carácter de su personaje y que por ello fue premiado con el Oscar al mejor actor secundario en 1978. Sin duda un premio bien merecido. Magistral.

En el resto del reparto encontramos a una jovencísima y maravillosa Meryl Streep en uno de sus primeros trabajos en el cine donde el director Michael Cimino le dio libertad para improvisar siempre que quisiera y el resultado ha sido muy bueno.

De Niro y Streep que volverían a coincidir años después en la tierna Enamorarse (1984). No sé porqué pero creo que hacen buena pareja, porque se nota que están a gusto trabajando juntos. También puede ser que como los dos me gustan tanto pues juntos también los veo bien.

En la película hay escenas de camaradería y alegría como son los momentos en los que se reúnen en el bar, en una boda o aquellos en los que el grupo se va de caza, pero en contraste con estas también vemos escenas muy duras, las relacionadas con Vietnam y las consecuencias de la guerra sobre las personas.

Michael Cimino realiza una película impactante gracias a un guión en el que claramente se aprecia alegato antibelicista. Fue de las primeras películas en mostrar a los americanos los efectos físicos y psicológicos que la Guerra de Vietman había provocado sobre los combatientes.

A todo esto se le añade unas estupendas fotografía y banda sonora (Stanley Myers). De su banda sonora quiero destacar dos piezas:

- aquella canción que suena en el bar donde los amigos, despreocupados, se reúnen para tomar unas cervezas y jugar al billar unos días antes de que tres de ello se vayan a la guerra. Se trata de Can’t take may eyes off you de Franky Valli. [ver escena]

- aquellas notas de guitarra que ya son todo un clásico: la Cavatina

El cazador recibió cinco Premios Oscar en 1978: mejor película, mejor director, mejor actor secundario (Christopher Walken), mejor sonido y montaje.

Zinéfilaz: « Forajidos »

2011-06-24T18:14:00.004+02:00

Nueva publicación en el blog de cine Zinéfilas. Una vez más, de entre el cine clásico me decido por una de las películas que se engloban dentro del llamado cine negro.

Un cine negro lleno de entornos sombríos, de pasiones, de poder, de avaricia, de asesinos y de...

http://zinefilaz.blogspot.com/2011/06/forajidos.html

« Serpico »

2011-06-19T21:26:00.003+02:00

Serpico
1973
Director Sidney Lumet

Reparto Al Pacino, John Randolph, Jack Kehoe, Tony Roberts, Biff McGuire, Cornelia Sharpe, Barbara Eda-Young, John Medici, Allan Rich, Ed Grover, Judd Hirsch

130 minutos

Años 70. Frank Serpico fue un policía íntegro, con principios, que, a diferencia de sus compañeros, nunca se dejó sobornar y, precisamente por ello, siempre tuvo problemas con sus colegas.

Basada en hechos reales descritos en la biografía de Frank Serpico escritos por Perter Mass que tuvieron lugar en Nueva York a principios de los años 70.

A pasar de ser un gran guión, no hay duda de que es el trabajo de Al Pacino lo más destacable de la película. Desde del punto de vista de hoy, todos reconocemos los grandes papeles y el buen actor de que es Pacino, pero en 1973 su carrera estaba comenzando. Había destacado claramente en El Padrino, 1972 pero este policía íntegro y correcto, lo catapultó definitivamente a lo más alto.

La vida de Frank Serpico es una lucha impotente dentro de un Departamento de Policía corrupto al que todos se unen y nadie se atreve a luchar en contra. Y no es luchar en contra de los propios compañeros sino de la corrupción que va creciendo entre ellos. Serpico decide ser un policía correcto y esto le trae múltiples problemas en su trabajo. A pesar de ello, Serpico se mantiene firme en sus creencias sobre lo que un policía debe de hacer. Se enfrenta así en solitario a todo el sistema.

Además de su forma de pensar Serpico es diferente en su modo de vestir y de peinarse –aunque iba a la moda de entonces- cosa que hace que también reciba la burla de sus compañeros. Todo está en su contra, pero él continúa luchando.

El director Sidney Lumet, nos introduce en un contexto tenso en el que abundan las escenas por las calles de Nueva York lo que le da un aspecto más real a la película. Desde los primeros minutos, ya nos tiene enganchados a ese comienzo que en realidad la consecuencia de todo lo que se nos mostrará posteriormente. A pesar de ser un film policiaco, no nos muestra escenas de acción sino el ambiente opresivo al que el protagonista está sometido tanto en lo profesional como en lo personal.

La partitura de Mikis Theodorakis es melancólica, complementando y enfatizando así, la personalidad del protagonista.

Lástima que a pesar de ser un hecho real, a día de hoy, más de treinta años después, la corrupción policial siga existiendo.

Serpico es un rebelde con causa… y consecuencias.

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También en este blog
12 hombre sin piedad (1957) de Sidney Lumet

« Calle Mayor »

2011-06-13T16:42:00.006+02:00

Calle Mayor
1956

Director Juan Antonio Bardem

Reparto Betsy Blair, José Suárez, Yves Massard, Luis Peña, Dora Doll, Alfonso Godá, Manuel Alexandre

95 minutos

Los habitantes de una pequeña ciudad provinciana viven atrapados en sus rancias tradiciones y costumbres. En ese opresivo ambiente, Isabel, una mujer de 35 años, se siente fracasada por no haber contraído matrimonio. Juan y su grupo de amigos, que combaten el aburrimiento imaginando pesadas bromas, hacen creer a Isabel que Juan está enamorado de ella y le va a proponer matrimonio.

Lo primero que hay que hacer al ver esta maravillosa película es conocer, aunque sea un poco por alto, el momento histórico en el que se desarrolla y en el que fue rodado: la España franquista.

En este contexto, lo único que una mujer tenía obligación de hacer era casarse, tener un montón de hijos y servir y obedecer a su marido. Aquella que no lograba llegar a este fin, era el hazmerreír de todos, sobre todo si vivía en un pueblo pequeño donde todos y conocen que las críticas es la rutina de cada día.

El director y guionista, J.A.Bardem, antifranquista declarado, se muestra en contra de la censura de la época y critica el machismo, las tradiciones y la religión pero respetando las normas de la censura, lo que lo convirtió en un ‘revolucionario’ para el franquismo y fue encarcelado e interrogado en febrero de 1956. A medida que avanzamos en la historia se nos va mostrando un todo cada vez más dramático, con enfoques poco habituales en aquella época en nuestro país y un suspense que se mantiene hasta el último minutos.

A pesar de los problemas durante el rodaje, el resultado es una obra maestra de cine español. Está basada en La señorita de Trévelez de Carlos Arniches y su protagonista es la actriz americana Betsy Blair (casada entonces con Gene Kelly y a la que conocimos en Marty 1955), cuya voz fue doblada al castellano por la siempre buena Elsa Fábregas, lo que intensifica maravillosamente la buena interpretación de Blair.

El despiadado protagonista masculino, estupendamente interpretado, corre a cargo del actor asturiano José Suárez y el resto de los actores que interpretan a sus maquiavélicos amigos de juergas son clásicos en el cine español: Manuel Alexandre y Luis Peña entre otros.

Se demuestra con Calle Mayor que el cine clásico español no son sólo el tipo de comedias que nos pasan continuamente en televisión tantas y tantas veces. Que no digo que no sean divertidas, pero que también podemos disfrutar de grandes obras maestras en el cine patrio.

Una de las principales localizaciones de la película es la fácilmente reconocible ciudad de Cuenca y sus casas colgantes, aunque al principio de la película se deja claro que la acción discurre en un lugar indeterminado, en un pueblo cualquiera donde si habitantes pasean arriba y abajo por su Calle Mayor.

Premios:
1956 Venecia: Premio de la Crítica Internacional

Las mejores canciones del Cine

2011-06-10T16:36:00.004+02:00

En el Canal TCM, han realizado, según su opinión una lista con 'las diez mejores canciones del cine'. En este vídeo nos muestran esa lista:

Después de nuestros memes donde mostramos nuestras propias preferencias en cuanto a, entre otras categorías, canciones y escenas musicales podemos darnos cuenta de que no coincidimos demasiado con la lista de TCM. Incluso hay canciones que, si no me falla la memoria, ninguno de nosotros había mencionado (por favor corregidme si estoy en un error).

Tanto la mejor escena musical como la mejor escena musical con baile de mi meme se encuentran entre las 10 mejores según TCM. Se trataba de Singin’ in the rain y America.

Algo que me sorprende un montón de esta lista es la canción de Elvis, Jailhouse Rock, en el tercer puesto ¡nada menos! Y con las que no coincido para nada son con las canciones de Cita en St Louis y En alas de la danza. Y hecho de menos alguna de las canciones de Cabaret.

Lo bueno de tener diferentes gustos es el poder compartirlo y aunque no estemos de acuerdo con las lista de otros sí que podemos afirmar que sus elecciones son y están entre las grandes de la Historia del Cine.

'El día más feliz de mi vida fue cuando se estrelló el camión de Foskitos'

2011-06-08T22:04:00.004+02:00

Título: El día más feliz de mi vida fue cuando se estrelló el camión de Foskitos

Autor: Antonio Valle

Editorial: Septem Ediciones

Páginas: 78

Año: 2006

Atrapar las historias que nos rodean es labor del escritor, descubrir lo extraño en lo cotidiano y recrearlo. Unos lo hacen en una línea y otros en cuatrocientas páginas. Luego los lectores elegimos. Son los tiempos que corren.

El autor: Antonio Valle nació en Oviedo en 1969. Maestro especialista en inglés, trabaja actualmente en la ciudad que le vio nacer, aunque ha conocido gran parte de Asturias en su labor de funcionario. En 2005 apareció su esperado primer libro de relatos: Perversiones (Aventuras inevitables). Otros libros: Mensajes de un mundo dibujado, Pasajero en Asturias y Solos

No había leído nunca ningún libro de microrelatos y disfrusté de esta corta lectura y de la posterior charla con su autor.

Los microcrelatos de Antonio Valle son de longitudes varidadas. Los hay desde una sola línea hasta hasta dos páginas, no más. Aunque al principio pensé que era imposible contar una historia en tan poco tiempo, ahora sé que es posible y que además es posible hacerlo bien. Muy bien.

Con un lenguaje coloquial el autor ovetense nos transmite una historia. Corta, es cierto, pero profunda. A veces te hace reír, otras, te hace pensar y en otras te entristece. También las hay que no te dicen nada, por supuesto. Eso será cuestión de gustos.

Hoy, un grupo de personas charlamos con Antonio Valle sobre sus libros, especialmente sobre El día más feliz de mi vida fue cuando se estrelló el camión de Foskitos, sobre los microrelatos que lo forman y todos los temas que surgieron a partir de ellos. Sobre los que más nos impactaron o divirtieron o sobre cómo Antonio empieza a escribir o en qué se inspira pero, por encima de eso, pudimos disfrutar de una gran persona que se prestó cordialmente a atendernos a pesar de su limitado tiempo libre.

En el siguiente vídeo, el propio Antonio Valle, lee uno de sus microrelatos. Os invito a que conozcáis su forma de escribir...

Más información:
Septem Ediciones
Antonio Valle

« Roma, ciudad abierta »

2011-06-05T21:09:00.003+02:00

Roma, città aperta

1945

Director Roberto Rossellini

Guión Federico Fellini, Sergio Amidei, Roberto Rossellini

Reparto Anna Magnani, Aldo Fabrizi, Marcello Pagliero, Maria Michi, Harry Feist, Vito Annichiarico

100 minutos

La ciudad de Roma está ocupada por los nazis, y la temible Gestapo trata de arrestar a Manfredi, líder del Comité Nacional de Liberación. Annie Marie ofrece refugio en su casa a Manfredi y a algunos de sus camaradas, pero los alemanes descubren su escondrijo y rodean la casa...

Tengo debilidad por los argumentos que se desarrollan durante los años de la Segunda Guerra Mundial y toda la triste historia que gira en torno a ella. Historias que suelen ser crudas y tristes pero reales y esperanzadoras que forman parte de un pasado muy reciente.

El director italiano Roberto Rossellini logra con esta película la cumbre del neorrealismo italiano con un guión escrito por él mismo y por otros – entre ellos Federico Fellini- basado en la historia verídica de un sacerdote italiano y su lucha contra la invasión nazi. El rodaje comenzó durante los últimos meses de contienda y su posterior estreno, una vez acabada la guerra, fue censurado en algunos países como, sin que sea de extrañar en Alemania.

El argumento no tiene un protagonista único sino un conjunto de seres normales que intentan sobrevivir y luchar contra el nazismo dentro de sus limitadas posibilidades. Muchos de los actores no son profesionales pero ni siquiera nos damos cuenta de ello ante la maestría de Rossellini al mostrar un realismo atroz.

La actriz Anna Magnani, tiene un papel completamente desgarrador que nos queda marcado en la memoria pero, el personaje del padre Pietro, interpretado por Aldo Fabrizi, es el que más nos llega al corazón. Su relación con el niño Marcello se ha parecido muy tierna.

No descubro nada al comentar que los nazis son ‘los malos’ de la película y que como tales se comportan, sin embargo hay una cosa que me llamó la atención. No sé si estaré equivocada o realmente Rossellini lo insinúa como forma de burla hacia los nazis. Los gestos y los movimientos del jefe de las SS alemanas, el Mayor Bergman, parecen afeminados, sin embargo, la actitud de una de sus ayudantes, Ingrid, es poco femenina y sus gestos hacia la mujer drogadicta que le hace de informadora son excesivamente complacientes y contemplativos. Esto no sé si me lo habrá parecido a mí solamente.

Otra obra maestra de lo que se llama el no-estilo de hacer cine de Roberto Rossellini.

Premios:
Festival de Cannes 1946: Palma de Oro (ex-equo)

También en este blog:
Stromboli (1950) de Roberto Rosellini.

« También la lluvia »

2011-05-31T18:22:00.001+02:00

También la lluvia
2010
Director Icíar Bollaín

Reparto Luis Tosar, Gael García Bernal, Karra Elejalde, Juan Carlos Aduviri, Raúl Arévalo, Cassandra Ciangherotti, Carlos Santos, Dani Currás, Vicente Romero

104 minutos

Cochabamba, Bolivia. Año 2000. Sebastián y Costa se han propuesto hacer una película sobre Cristóbal Colón y el descubrimiento de América. Mientras que Sebastián, el director, pretende desmitificar al personaje presentándolo como un hombre ambicioso y sin escrúpulos; a Costa, el productor, sólo le importa ajustar la película al modesto presupuesto del que disponen; precisamente por eso elige Bolivia, por ser uno de los países más baratos y con mayor población indígena de Hispanoamérica. La película se rueda en Cochabamba, donde la privatización y venta del agua a una multinacional siembra entre la población un malestar tal que hará estallar la tristemente famosa Guerra Boliviana del Agua (abril del año 2000).

Sólo tenía una ligera idea del tema que trataba la película… y me encontré con varios temas muy diferenciados que sin proponérselo y a pesar de no tener nada en común se entremezclan con el pesar de sus protagonistas.

En principio parece que se trata del rodaje en Bolivia sobre la historia de Colón, pero poco a poco esto se va haciendo cada vez más secundario y se centra en la problemática social que en esos momentos empiezan a vivir los propios bolivianos: la falta de abastecimiento del agua.

Aunque desde el primer momento, los personajes de Luis Tosar y Gael García Bernal intentan estar al margen de un problema ajeno a ellos y centrarse en su trabajo, esto les resultará imposible porque el conflicto les afecta de lleno cuando uno de sus actores bolivianos, se convierte en uno de los cabecillas de la reyerta. Es en este momento cuando la directora Icíar Bollaín, nos lleva hacia el cine social mostrándonos tanto a los que luchan por una causa como a aquellos que sufren las tristes consecuencias de una guerra abierta.

Hay también mucha mezcla de géneros: cine social, cine dentro del cine, cine histórico, cine documental, drama… la (triste) vida real hoy, la (triste) vida real en la época de Colón…

Los personajes no me parecieron del todo bien definidos y el final un tanto precipitado, quizás, pero en general es una buena película española sobre unos hechos ajenos a los españoles.

Una vez más, Icíar Bollaín, nos demuestra que es una de las mejores directoras del cine español y que el cine español, cuando se hace bien, es un cine de gran calidad.

Premios:

3 Premios Goya 2010: mejor actor secundario (Karra Elejalde), mejor música original (Alberto Iglesias) y mejor dirección de producción.

Berlín 2010: Sección Panorama: Premio del público

« Las diabólicas »

2011-05-27T16:31:00.001+02:00

Les diaboliques

1955

Director H.G. Clouzot

Reparto Simone Signoret, Véra Clouzot, Paul Meurisse, Charles Vanel, Jean Brochard, Thérèse Dorny, Georges Chamarat, Michel Serrault

107 minutos

El director de un colegio, el señor Delasalle, convive con su esposa y su amante, la profesora Horner. Pero las dos mujeres, cansadas de sufrir la constante tiranía y malos tratos del hombre que comparten, deciden que esa situación no puede continuar...

Aprovechando el título para describirla diré que me pareció una obra diabólicamente genial.

Basada en la novela titulada La que no existía de Pierre Boileau y Thomas Narcejac, el director y guionista francés H.G. Clouzot cambia la trama original para crear este gran clásico del cine francés.

En el personaje de la esposa, interpretado por Véra Clouzot (esposa en la vida real del director) el sentimiento de culpa se manifiesta continuamente, sin embargo no es así en el caso de la amante, interpretada por Simone Signoret. Es cierto que el marido y amante es un canalla que se aprovecha de ambas sin disimulo y maltrata al resto de los personajes, por lo que a nuestros ojos, el crimen parece algo completamente justificable. Nos ponemos entonces del lado de las asesinas y no de la víctima, queriendo que estas lleven a buen fin lo que parece será un crimen perfecto, bien planteado y con una buena coartada a la que agarrarse… o eso parece.

Ni siquiera nos planteamos si se trata de algo justo o no. Si es venganza o asesinato o defensa propia. Si son diabólicas o no.

La actriz Simone Signoret ya me había impresionado anteriormente en En un lugar en la cumbre (1959) y aquí ha vuelto a hacerlo con un personaje muy diferente. Ambas actrices están sobresalientes. Sus personajes son tan diferentes que se complementan perfectamente. Tanto es así, que Clouzot insinúa claramente una relación lésbica, no sólo en las escenas entre ambas sino en alguna conversación con otro personaje.

El suspense y la adrenalina están presentes desde el primer minuto hasta el último. La puesta en escena nos muestra unos lugares tristes, lúgubres y ruinosos enfatizados por una fotografía en blanco y negro perfecta en todo momento.

Son muchas las grandes escenas que tiene esta película y lo maravillosamente bien rodadas que están, pero son importantes para la trama y no quiero comentarlas abiertamente. Los que ya hayan visto Las diabólicas saben a qué escenas me refiero porque son los puntos clave de la historia que a nadie dejan indiferentes.

En su momento se convirtió en un gran éxito pero a día de hoy lo sigue siendo. Es todo un clásico imprescindible por su buena calidad. Contaba con Alfred Hitchcock como gran admirador ya que se trata de un tema muy utilizado por el maestro del suspense. Hitch se había mostrado interesado en llevar la novela al cine pero Clouzot lo hizo primero. Por ello, los autores Pierre Boileau y Thomas Narcejac escribieron un obra expresamente para el maestro titulada Sudores fríos que dio lugar a Vértigo. De entre los muertos (1958).

Lo repito: ¡diabólicamente genial!

« Hacias rutas salvajes »

2011-05-24T17:50:00.004+02:00

Into the wild

2007

Director Sean Penn

Guión Sean Penn

Música Michael Brook, Eddie Vedder, Kaki King (Canciones: Eddie Vedder)

Fotografía Eric Gautier

Reparto Emile Hirsch, Marcia Gay Harden, William Hurt, Jena Malone, Brian Dierker, Vince Vaughn, Kristen Stewart, Catherine Keener, Hal Holbrook

140 muinutos

A comienzos de los años noventa, el joven e idealista Christopher McCandless, abandona su vida en la civilización, se cambia de nombre por el de Alexander Supertramp, deja sus posesiones y dona sus 24.000 dólares de ahorros a la caridad para poner rumbo a la salvaje Alaska, donde espera encontrarse con la verdadera naturaleza y con la verdad de su existencia.

La estupidez y la osadía de un adolescente es el inicio de la fatal aventura pero realidad de Christopher McCandless a principios de los años 90. Las ganas de vivir en y de la naturaleza, sin dinero, con una mochila, muchas ganas, poca consciencia y un largo camino por delante hasta Alaska.

Cuarta película dirigida por el actor Sean Penn de la que también es guionista. Basada en el best-seller de Jon Krakauer quien lo escribió utilizando las notas del diario de viaje del propio McCandless.

Después de ver la película quise conocer un poco más sobre su protagonista y me asombró el gran parecido físico entre la persona real y el actor que lo interpreta, Emile Hirsch, al que también podemos ver en Mi nombre es Harvey Milk junto a Sean Penn. Es un trabajo sensible y que logra transmitirnos sus propias emociones y sus miedos.

Se nos muestra el viaje de McCandless de forma no correlativa y alternando con momentos en los que la voz de su hermana y la propia mente de McCandless, nos van mostrando cómo fue la infancia del protagonista y cómo van transcurriendo las vidas de su familia durante su ausencia del hogar paterno.

Lo que más impresiona de esta película es lo maravilloso de sus paisajes donde el director de fotografía, Eric Gautier, sabe captar la naturaleza en todo su esplendor y que es lo que más me haya gustado de Hacia rutas salvajes. Naturaleza de grandes paisajes en toda su magnitud, montañas, cielos, praderas, ríos, largas carreteras en lugares desérticos… ¡una delicia!

Complementando perfectamente tanto al paisaje como a los pensamientos, sentimientos y vivencias del protagonista tenemos una banda sonora increíble. Canciones compuestas por Eddie Vedder, cantante del grupo Pearl Jam, que forman parte importante del argumento. Se trata del primer trabajo en solitario de Eddie Vedder al que el propio Sean Penn eligió para la composición de esta banda sonora. Se trata de una banda sonora formada por instrumentos folk dando lugar a canciones bellas, sencillas y con gusto.

Una de las mejores canciones de su banda sonora es, Guaranteed que recibió el Globo de Oro a la Mejor Canción Original en 2007.

La Naturaleza siempre es bella pero, detrás de esa belleza puede haber crueldad si no estamos preparados para afrontarla.

Zinéfilaz: «Marty»

2011-05-20T17:47:00.001+02:00

Hoy realizo mi segunda publicación en el blog de cine Zinéfilaz. De entre el cine clásico me he decidido por una historia sencilla pero llena de ternura y, desde que la descubrí por casualidad, está entre los grandes clásicos de mi filmoteca particular.

Se trata de:

http://zinefilaz.blogspot.com/2011/05/marty.html

« Medianoche en París »

2011-05-17T17:27:00.005+02:00

Midnight in Paris

2011

Director Woody Allen

Guion Woody Allen

Reparto Owen Wilson, Rachel McAdams, Marion Cotillard, Michael Sheen, Kathy Bates, Carla Bruni, Alison Pill, Tom Hiddleston, Léa Seydoux, Adrien Brody, Kurt Fuller, Corey Stoll, Mimi Kennedy, Gad Elmaleh, Nina Arianda, Marcial Di Fonzo Bo, Adrien de Van

Duración 100 minutos

Comedia romántica ambientada en París, que narra la historia de una familia que viaja a esta ciudad por motivos de trabajo, así como la de dos jóvenes prometidos que se casarán en otoño. Las experiencias que tienen en la capital francesa cambiarán sus vidas. Cuenta el gran amor que siente un joven por una ciudad, París, y la ilusión que tiene la gente de creer que una vida diferente a la suya sería mucho mejor.

¡Por fin una película de Woody Allen que me vuelve a atrapar como hacía tiempo que no me pasaba! Y es que sus últimas películas se me hicieron bastante flojas, pero con Medianoche en París la cosa ha cambiado para bien.

Es verdad que siempre espero las películas de Woody con muchas ganas y que de ésta ya me gustó el cartel en cuanto lo vi. Y es que creo que es unos de sus mejores carteles: la bella París bajo la noche estrellada.

Para los que seguimos la filmografía de Allen, este guión nos recordará a otra de sus más celebradas películas. Estoy segura de que no soy la única que lo habrá notado pero creo que es mejor desvelar lo menos posible para disfrutar de esta Medianoche en París.

En el comienzo no están los típicos títulos de crédito sino imágenes de un París maravilloso y lleno de luz que bajo la melodía 'Si tu vois ma mère' de Sidney Bechet, se va transformando en una ciudad con una noche especial.

El protagonista de esta medianoche es Gil, interpretado asombrosamente bien por Owen Wilson, que prácticamente interviene en el cien por cien de la historia siendo él el absoluto protagonista alrededor del cual van girando el resto de los personajes secundarios. Durante sus paseos en las noches parisinas se va encontrando con diferentes personajes. Muchos de estos personajes, y son muchos, son muy variopintos a pesar de sus cortas apariciones. Sin desvelar nada, creo que, personalmente, el que me pareció más divertido ha sido el hombre interpretado por Adrien Brody.

Del resto de los secundarios, quiero destacar a Michael Sheen, (El desafío. Frost contra Nixon, 2008) que interpreta a un amigo muy pedante de la pareja al que realmente apetece ahogar en el Sena. Aún así, es unos de los que nos arrancan las sonrisas.

Al margen de la intervención de Carla Bruni, que es más anecdótica que otra cosa y no merece mención alguna, está Marion Cotillard, que es Adrina, de la que Gil se siente inmediatamente atraído y no es de extrañar porque está encantadora y preciosa.

Una de las cosas que no encontré esta vez, a pesar de ser un punto clave del director fue la ausencia del psiquiatra. Owen Wilson, aunque alguna vez tartamudea –yo también lo haría en su situación– no es hipocondríaco ni tiene consulta semanal con su psiquiatra.

París, y más concretamente la nuit de Paris es parte fundamental de la trama, ya que pocas ciudades nos trasmiten esa magia. Pero ya sabemos que en casi todas las películas de Allen, la ciudad donde transcurre la acción es algo fundamental. Estupenda dirección artística, vestuario y una vez más, su banda sonora, llena de ritmo nostálgico.

Podría mencionar muchas cosas que me gustaron mucho, pero creo que la mejor manera de disfrutar de Medianoche en París es desconocer todo lo que se pueda sobre ella, y dejarse llevar.

Parece un argumento predecible pero, por suerte, Woody Allen siempre impresiona y logra que nos vayamos con ganas de vivir ese París y una sonrisa en los labios.

Ver la lista completa de nominados

« Stromboli »

2011-05-15T00:38:00.004+02:00

Stromboli, Terra di Dio

1950

Director Roberto Rossellini

Reparto Ingrid Bergman, Mario Vitale, Renzo Cesana, Mario Sponza

95 minutos

Para poder escapar de un campo de concentración, una mujer desesperada acepta casarse con un pescador de una pequeña isla llamada Stromboli. Pero escapar de una prisión la lleva al final a meterse en otra, y su vida en la isla es también una condena.

Vapuleada por crítica y público por cuestiones ajenas a la película en sí, llevaba tiempo queriendo verla y por fin lo he hecho. Me he llevado una grata sorpresa porque no esperaba que me gustara tanto.

Quizás su título me llevó a pensar que se trataba más bien de una de esas películas de catástrofes, esta vez en versión italiana… pero nada de eso. Es una película sobre la cultura de dos personas, lo que hace como es lógico que sus diferencias se enfrenten entre sí.

El personaje de Ingrid Bergman, es una extranjera que para librarse de unas ataduras se ata a otras. Es una mujer que está acostumbrada a un tipo de vida independiente y libreal, llena de lujos pero ahora al casarse, se encuentra encerrada en una isla llena de antiguas tradiciones y una constante amenaza de erupción volcánica que todos ven con normalidad. Para colmo de todo se trata de una isla siciliana llena de sicilianos y sicilianas con sus costumbres sicilianas: mamma mia!!

Una de las cosas más atrayentes de la película es Ingrid Bergman, aunque en un tipo de papel alejado de los que nos tenía acostumbrados hasta entonces. Pero ¡qué guapa está! Esas escenas en las que está sentada sobre una roca de lava al lado del mar, con el sol iluminándole el rostro y el viendo removiendo su pelo… ¡guapa, guapa! (¿Se me nota mucho que me encanta esta actriz?)

La historia está muy bien planteada y al margen de nuestra protagonista, nos muestra las relaciones del los hombres con la naturaleza, tanto para subsistir como para sobrevivir. Los temas de la erupción del Stromboli y el trabajo de los pescadores están muy bien descritos visualmente.

Creo que todos conocemos el escándalo que se creó cuando Ingrid y Roberto Rossellini comenzaron una relación durante el rodaje de esta película. La actriz estaba casada y tenía una hija pero se quedó embarazada de Rossellini. Fue persona non grata en Estados Unidos. Meses después del nacimiento del hijo de ambos, se casaron. En Hollywood esta historia no fue bien aceptada así que tanto la crítica como el público rechazó ésta y otras películas de la pareja.

Según dicen que el estilo de Rossellini es no tener estilo y plasmar la vida tal como es. Pues bien, Stromboli. Terra di Dio es un maravilloso ejemplo de su buen estilo.

También en este blog:

Roma, ciudad abierta (1945) de Roberto Rossellini

'¡Vivir!'

2011-05-11T21:43:00.004+02:00

La novela ¡Vivir! de Yu Hua ha sido adaptada al cine por el director chino Zhang Yimou. He leído la novela primero para después visionar la películas y las dos me han dejado un buen sabor de boca.

Sobre la novela ____________________________________________

Título: ¡Vivir!

Autor: Yu Hua

Editorial: Seix Barral

231 páginas

Después de gastar toda la fortuna de su familia en el juego y en burdeles, el joven Fugui, único heredero de la familia Xu, no tiene otra solución que convertirse en un honesto granjero. Obligado por el Ejército a separarse de su familia, es testigo de los horrores de la Guerra Civil. Años después, tiene que hacer frente a las penurias de la Revolución Cultural. Con un buey como único compañero en sus últimos días, Fugui consigue sobrevivir gracias a su amor por la vida. Esta novela celebra la inalterable voluntad de vivir por encima de las desgracias y los golpes del destino.

Se trata de una novela muy conmovedora sobre las vueltas que da la vida. Las ganas de vivir, las alegrías, las penurias, en definitiva, la vida.

Es una lectura fácil y amena que se lee rápidamente. Me gustó especialmente la segunda mitad aunque quizás es la más triste. A pesar de ello es un canto a la vida y a las ganas de vivir por encima de todos los palos que ésta te pueda dar.

Y es que, guste o no, la vida es un largo camino lleno de baches que todos tenemos que recorrer.

¡Vivir! está considerada una de las grandes obras de la literatura china. Un best-seller.

'Un novela de un poder emocional increíble'

Dai Sijie

'Yu Hua es la voz más profunda de la China actual. ¡Vivir! no sólo capta la esencia de China y su gente, sino la verdadera naturaleza del ser humano'

Lisa See

Sobre la película _________________________________________

Huozhe (To Live)

1994

Director Zhang Yimou

Guión Yu Hua & Lu Wei (Novela: Yu Hua)

Reparto Li, Ge You, Jiang Wu, Niu Ben, Guo Tao, Ni Dahong, Zhang Lu, Liu Tianchi

125 minutos

Después de verse obligado a abandonar su casa y su familia por deudas de juego, un hombre rehace su vida como titiritero hasta que se ve envuelto en la revolución maoísta. Cuando consigue volver con su mujer y sus hijos, ya nada es como antes.

Muy buena adaptación de la novela, aunque el director chino Zhang Yimou no la sigue fielmente en todas sus partes y por ello, la película resulta mucho menos dramática que el original.

Toda la parte técnica está muy cuidada y junto con un grandísimo guión, hace que el cine chino resulte atractivo a los que no entendemos demasido bien, o casi desconocemos, la cultura y el comportamiento chino. La vida de una familia china a lo largo de varios años de guerra y revolución.

La actriz china Gong Li, es la más conocida de sus intérpretes fuera de China por su participación también en Memorias de una geisha (2005) o La caja china (1997) además de otras muchas películas de Zhang Yimou como Adiós a mi concubina (1993) donde también interviene el actor Ge You.

Fue galardonada en le Festival de Cannes con el Gran Premio del Jurado Ecuménico, el Gran Premio del Jurado y al Mejor Actor (Ge You) y recibió el BAFTA a la Mejor Película de Habla No Inglesa en 1994.

« Noches en la ciudad »

2011-05-08T21:20:00.001+02:00

Sweet Charity

1969

Director Bob Fosse

Reparto Shirley MacLaine, Ricardo Montalbán, Sammy Davis Jr., Paula Kelly, Chita Rivera, Stubby Kaye, Barbara Bouchet, John McMartin

133 minutos

Charity Hope Valentine es la azafata de music hall que sueña con vivir un romance a la antigua usanza, pero que le entrega su corazón a un hombre equivocado detrás de otro...

Primera producción dirigida por el coreógrafo Bob Fosse, donde los números musicales nos recuerdan a la película que tres años después lo consagraría definitivamente: Cabaret (1972).

El título en español Noches en la ciudad nada tiene que ver con el título original Sweet Charity, el cual define perfectamente a la protagonista, la dulce Charity. La actriz Shirley McLaine es la perfecta Charity. Se trata de una chica dulce, alegre, pizpireta, ingenua y enamoradiza bailarina de club nocturno, es decir, una prostituta que aspira a salir del burdel.

Basada en Las noches de Cabiria (1957) de Federico Fellini, trata de manera clara las drogas y la prostitución, temas que a partir de entonces estarían más presentes en el cine de los años 70. También se había representado con gran éxito en los escenarios unos años antes de la película.

Intervienen también en pequeños papeles secundarios Ricardo Montalbán y el cantante Sammy Davis Jr, en un número musical que parece que desentona del resto y que podría sobrar. Es la actriz del teatro musical Chita Rivera, junto a Paula Kelly, qu interpretan a laso dos amigas de Charity las que destacan de entre los secundarios.

Merece la pena destacar la escenografía, la fotografía y la banda sonora de Cy Coleman llena de canciones alegres y pegadizas, pero sin duda lo mejor da la película son Shirley McLaine y la perfección de los números musicales de Fosse.

Ya comenté anteriormente una de las coreografías de Bob Fosse que él mismo interpreta en El principito (1974) [ver]. Otra película en la que podemos ver su estilo es en Chicago (2002), basada en el musical que él dirigió en 1975 y su genialidad queda bien patente en Cabaret (1972).

Personalmente sus coreografías me enganchan sin remedio y sin poder despegar los ojos de esos movimientos tan marcados y llenos de provocación sexual que lo diferencian de otros artistas. El número musical 'Big Spender' es un ejemplo claro del sello personal de Fosse: un grupo de bailarinas colocadas en fila mueven sus caderas, piernas y brazos con claras insinuaciones sexuales.

Aunque en su momento no tuvo mucho éxito y hoy es uno de los musicales menos conocidos, es imposible verla sin seguir el ritmo de sus pegadizas canciones con los pies y sin pasar un buen rato, con las vivencias, a veces un poco agridulces, esta dulce dulce Charity.

« The company men »

2011-05-06T17:26:00.001+02:00

The Company Men

2010

Director John Wells

Reparto Ben Affleck, Kevin Costner, Maria Bello, Tommy Lee Jones, Chris Cooper

109 minutos

Bobby Walker vive el sueño americano: tiene un buen trabajo, una familia estupenda y un espectacular porsche en el garaje. Sin embargo, cuando la compañía para la que trabaja decide reducir plantilla, tanto él como sus compañeros Phil Woodward y Gene McClary, se quedan en el paro. Entonces los tres tendrán que replantearse sus vidas y sus papeles como maridos y padres.

Un porche, una lujosa casa, un trabajo muy bien remunerado, ropa de marca, buenos hoteles, carísimos restaurantes, clubs… todo lujo y dinero.

Esto se acaba en el momento en que nuestros personajes son despedidos de su empleo. Su jefe ve mucho mejor construir un nuevo edificio de oficinas sacrificando así a sus empleados.

El personaje de Ben Afflek, es despedido y en su búsqueda de un nuevo empleo se desespera cuando solo encuentra trabajos mal pagados que rechaza de forma chulesca sin pensárselo ni un minuto. Con el tiempo no le queda otra que deshacerse de su casa, de su porche y de su club de gente ricachona. Más o menos lo mismo a dos de sus compañeros…. Y a miles de empleados más, donde se incluyen trabajadores con puestos inferiores a los que prácticamente ni se menciona en la película.

¡¡Porque digo yo que aquellos con menor sueldo quizás no tengan una gran casa de tres pisos que poner en venta, un porche que poder vender o dejar de abonar las mensualidades del club de moda de turno!!! ¡¡Estarán pensando que cómo pagar las facturas de la luz o del gas!!!

¡¡La mujer de uno de los protagonistas se gasta unos 140.000 dólares en una mesa de comedor!!!

La película atrae por sus conocidos protagonistas y por si te interesa ver cómo los ricachones pasan sus lunes al sol. Entretenida y esperanzadora pero no me pareció demasiado interesante.

'El nombre del viento'

2011-05-04T21:11:00.001+02:00

El nombre del viento

Patrick Rothfuss

2009

872 páginas

Kvothe es un personaje legendario, el héroe y el villano de miles de historias que corren entre la gente. Todos le dan por muerto, cuando en realidad vive con un nombre falso en una posada apartada y humilde, de la que es propietario. Nadie sabe ahora quién es. Hasta que una noche un viajero, llamado el Cronista, le reconoce y le suplica que le revele su historia, la verdadera, a lo que finalmente Kvothe accede. Pero habrá mucho que contar, le llevará tres días.

Irregular y con muchísimos altibajos es la opinión que me queda después de leer las páginas de esta novela.

Leí partes que me resultaron entretenidas sin más y otras que me parecieron completamente aburridas y sin el menor interés.

Dicen del autor, Patrick Rothfuss, que es el nuevo Tolkien… ¡nada más lejos de la realidad!! Su primera novela no se parece en nada a la obra de Tolkien… para mi es mucho más parecido a las aventuras de aprendiz de mago Harry Potter.

Parece ser que se trata de la primera parte de una trilogía, por lo que al final, el relato no acaba de concluir y te quedas con las ganas de saber todo aquello que pone la contraportada.

En la contraportada da a entender que se trata de una especie de biografía de una persona legendaria con un sinfín de habilidades y destrezas mágicas que se enfrenta a seres también mágicos en una gran cantidad de vivencias, pero… nada más lejos de lo que después me encontré en sus páginas.

El nombre del viento ha tenido mucho éxito desde su publicación y muchos son los que esperan la publicación de la segunda parte, pero a mi me ha decepcionado por completo.

Escenas para recordar (meme)

2011-05-02T11:30:00.012+02:00

Invitada por mi compañera de Zinéfilaz, Bargalloneta a participar en este meme, me dispongo a ello no sin antes decir que no he elegido las mejores escenas pero sí las que primero me vinieron a la cabeza. Quizás no sean las mejores pero sí que son de las mejores y merece la pena recrdarlas y compartirlas.

- Escena más graciosa......
La fiera de mi niña

Gary Grant pisa y rompe la parte de atrás del vestido de noche de Katherine Hepburn e intenta arreglarlo poniendo su sombrero de copa en el trasero de ella.

- Escena más triste....
Million Dollar Baby
Sin comentarios...

- La escena más alegre.....
El violinista en el tejado

'Si yo fuera rico'. Si yo fuera rico construiría una casa con unas escaleras sólo para subir y otras escaleras sólo para bajar.

- Escena más agridulce......
El color púrpura
El rencuentro de las dos hermanas al final de la película.

- Escena más perturbadora.....

Rebeca

En la noche de la fiesta de disfraces, la señora Danvers atormenta a nuestra inocente protagonista e intenta convencerla para que se arroje desde el balcón mientras le susurra al oído: 'Mira hacia abajo, es fácil. Vamos, no tengas miedo.'

- Escena con más suspense…
Sospecha de Hitchcock
Al final en el coche… sabes lo que está pensado ella pero no lo que se dispone a hacer él...

- Escena más aterradora....
El resplandor
La persecución con el hacha...

- Escena más romántica...
Con la muerte en los talones

Cary Grant y Eva Marie Saint en un compartimiento del tren se besan mientras giran apoyados en la pared. Me gusta porque a falta de planos horizontales censurados en la época, no viene mal insinuar las cosas sobre un plano vertical.

- Mejor diálogo...
Con faldas y a lo loco

-Tengo un horrible pasado, desde hace tres años

estoy viviendo con un saxofonista.

-Te lo perdono.

-Nunca podré tener hijos.

-Los adoptaremos.

-No me comprendes Osgood. Ahh, ¡soy un hombre!

-Bueno nadie es perfecto.

- Mejor pelea…
Kill Bill
Prácticamente la película entera, bueno, las dos.

- Mejor escena musical...
Cantando bajo la lluvia

Gene Kelly bajo la lluvia bailando divertido

- Mejor escena musical con baile...
West Side Story
'America'

- Mejor discurso...
Lo que el viento se llevó

'Aunque tenga que matar que ser ladrona o asesinar, a Dios pongo por testigo de que jamás volveré a pasar hambre.'

- Mejor inicio...
Desayuno con diamantes

Audrey Hepburn en traje de fiesta negro desayunando ante el escaparate de Tiffany's.

- Mejor final...
Casablanca
'Louis, creo que este es el comienzo de una hermosa amistad'

- Escena que jamás tendría que haber sido rodada...

Lo amplío a varias películas enteras. Una de las últimas: Noche y día con Tom Cruise y Cameron Díaz.

- La mejor escena...

Jezabel

En el baile, Fonda y Davis comienzan a bailar y van quedando sólos. La música para y Fonda les obliga a seguir tocando mientras baila con una avergonzada y arrepentida Davis.

Desde aquí, invito a quién quiera a realizar su propio meme y así poder recordar grandes momentos de cine porque como todos no tenemos los mismos gustos ni los mismo puntos de vista creo que es algo interesante para compartir juntos. Es dificil pero merece la pena intentarlo.

« Falso culpable »

2011-04-27T21:19:00.000+02:00

The Wrong Man
1956
Director Alfred Hitchcock
Reparto Henry Fonda, Vera Miles, Anthony Quayle, Harold J. Stone, Nehemiah Persoff, Charles Cooper, Richard Robbins
Duración 105 minutos

Manny es un músico de jazz neoyorkino que vive apaciblemente con su esposa Rose y sus dos hijos pequeños. En su visita a una aseguradora, una empleada le confunde con un ladrón que había robado allí unos días antes y lo denuncia a la policía. A partir de ese momento comienza para él una angustiosa pesadilla: es detenido y acusado de una serie de hurtos perpetrados en el barrio. Lo terrible es que todos los testigos y las pruebas caligráficas corroboran su culpabilidad.

En esta ocasión, la película viene precedida de un prólogo en el que se nos muestra en un plano a contraluz, la silueta de Alfred Hitchcock. El director se dirige a los espectadores para informarnos de que la película que vemos a ver no es una más, que se trata de algo diferente: es una historia verídica aunque llega de circunstancias extrañas que hacen que parezca una historia de ficción más ficticia que las que había hecho hasta entonces.

El tema del falso culpable es algo habitual en Hitchcock pero en este caso lo muestra como un drama, algo poco habitual en él. El drama está por encima del suspense que se genera.

El maestro trabajó junto con los dos guionistas en la investigación de los hechos buscando testigos de los hechos y visitando los diferentes lugares donde se desarrollan los hechos.

El comienzo es poco interesante pero es algo básico para conocer al protagonista, Manny Balestrro, interpretado por Henry Fonda. Se trata de una persona cualquiera, con su familia, su trabajo y los problemas cotidianos de cualquier familia de cualquier ciudad. Nos lo presenta como un buen hombre que se desvive por su familia y que intenta hacer siempre lo correcto.

La vida de Manny da un giro inesperado en el momento en que al ir a pedir un préstamo sobre una póliza de su mujer, las asustadas trabajadoras lo identifican como la persona que anteriormente había robado en la sucursal. La policía se presenta en su casa y lo detienen sin darle explicaciones. Es aquí cuando comienza nuestra angustia. Manny, se sabe inocente y confía en la justicia pero aún así estos lo someten a diferentes procesos y preguntas que él contesta sinceramente. A pesar de ello, lo consideran culpable.

Esto hace que nos planteemos varias preguntas:

¿Son tan fiables los testigos visuales como para apoyase en sus afirmaciones ciegamente o es posible que bajo momentos de tensión la mente nos juegue malas pasadas y nos pueda llevar a una identificación errónea?

Esto es algo que llama la atención. Una persona identifica erróneamente al supuesto atracador y a partir de ahí el resto también lo hace aunque la persona a la que supuestamente atracó ni tan siquiera lo mira…

La segunda parte de la película trata sobre las consecuencias que la identificación de un falso culpable puede tener en la vida de esa persona y en aquellas que lo rodean, que en ese caso en la esposa del protagonista interpretada por Vera Miles.

Aunque no es una de las películas que más gustan de Hitch, tiene una gran baza para que la historia resulte creíble y es el buen trabajo de Henry Fonda, que lleva perfectamente todo peso de la película.

No hay apenas música –aunque el protagonista es músico- ni tampoco el humor característico del director.

A pesar de esto, podemos vivir, llenos de impotencia, esta pesadilla hecha realidad porque lo que más miedo nos puede dar es que... podría pasarnos a nosotros...

Arabel / Garbo

2011-04-24T21:45:00.001+02:00

No lo conocía ni había oído hablar sobre él hasta hace poco tiempo. Lo poco que sé de él ahora, hace que lo admire profundamente. No sé si vosotros lo conoceis.

Para unos fue Arabel y para otros Garbo.

Arabel y Garbo o lo que es lo mismo Juan Pujol García. Fue, y es todavía, un desconocido para el mundo, pero su gran imaginación fue clave para el final de la Segunda Guerra Mundial.

De nombre clave Arabel para los alemanes y Garbo para los británicos, salvó millones de vidas.

En 1940, el barcelonés Juan Pujol García se presentó en la embajada británica de Madrid donde se ofreció para trabajar como espía contra la Alemania Nazi. Lo rechazaron así que ofreció sus servicios al III Riech con la intención de convertirse en espía doble. Los alemanes lo aceptaron.

Después de realizar varios trabajos para los nazis, vuelve a la embajada británica donde esta vez es aceptado por el Servicio de Inteligencia.

Decide instalarse en Lisboa haciendo creer a los alemanes que se encuentra en Gran Bretaña. Sacando información de la biblioteca y del cine, enviaba informes inventados y un control de gastos a los alemanes.

En 1942 se traslada a Inglaterra, donde su cometido principal es hacer creer a los alemanes que había logrado reclutar 22 agentes, aunque realmente solo existían en su imaginación. Seguía mandando regularmente informes falsos o tardíos a los alemanes mientras trataba de no cometer ningún descuido en su inventada red de agentes espías.

Su imaginación era tal que incluso a veces fingía que algún agente estaba enfermo y que por lo tanto, no se había podido transmitir alguna información. Explicaba que un agente había muerto e incluso publicaba su necrológica en algún periódico. Los alemanes tenían tanta confianza en sus palabras que incluso pagaron una pensión a la viuda del agente fallecido.

Garbo, fue clave en la Operación Fortitude, que consistía en hacer creer a los alemanes que el 6 junio de 1944 tendría lugar un desembarco en las playas de Calais, cuando en realidad tendría lugar 250 km al sur. Se trataba del desembarco de Normandía. El engaño fue tal, que Hitler creyó que el desembarco de Normandía, era una mera distracción del desembarco real. Comenzó así el final de la guerra en Europa y de la II Guerra Mundial.

A partir de este momento Juan Puyol desaparece. Como buen espía, apenas existen imágenes de él y a los pocos años se le cree muerto.

Es la única persona que ha sido condecorada durante la II Guerra Mundial por los dos bandos enemigos: la Cruz de Hierro Alemana y la Orden del Imperio Británico.

Para los británicos fue el mejor actor del mundo, por este motivo lo apodaron Garbo.

En los años 70, el historiador militar Nigel West, comienza a investigar a Garbo y llega a encontrarlo en 1981 llevando una vida normal en Venezuela, donde murió en 1988 a los 76 años.

Su increíble historia se cuenta en el premiado documental Garbo, el espía (El hombre que salvó al mundo) (2009) de Edmon Roch.

« Crimen perfecto »

2011-04-17T22:09:00.008+02:00

Dial M for Murder

1954

Director Alfred Hitchcock

Reparto Grace Kelly, Ray Milland, Robert Cummings, John Williams, Anthony Dawson, Leo Britt, Patrick Allen, George Leigh

105 minutos

Tony Wendice, un frío y calculador ex tenista profesional, quiere asesinar a su bella esposa Margot, que sospecha que le es infiel, aunque lo que más le interesa es quedarse con su dinero. Para llevar a cabo su plan, chantajea a un antiguo camarada del ejército para que entre en la casa en su ausencia y estrangule a Margot.

Considerada una obra maestra por la destreza en el enfoque del tempo narrativo. Esta es la principal característica de la película. En ella, Hitchcock trabaja con el relieve acentuando para ello los colores. El vestido rojo del personaje feMenino es muy intenso pero a medida que transcurren los hechos, los colores se muestran más apagados en el personaje. El director también realza los volúmenes situando muchos objetos en primera línea de campo delante de los actores acentuando así la profundidad.

Por lo demás, el manejo de la cámara es excepcional. Esta se mueve mostrándonos concretamente todos los detalles que el espectador debe tener en cuenta, como si la cáMara fueran nuestros ojos inspeccionando la estancia. Una estancia cerrada, porque la película se desarrolla básicamente en el salón del apartamento de los protagonistas.

Sin embargo otras veces el plano es más general. Con esto logra mostrarnos cómo sucedieron los hechos, como si nosotros fuéraMos el ojo que todo lo ve, mediante planos en picados que abarcan toda la estancia y siguen el movimiento de los personajes.

Toda esta demostrada Maestría viene acompañada de un guión perfecto para un crimen perfecto rodeado de un suspense psicológico. Todo calculado milimétricamente a la perfección sin dejar ningún cabo suelto... o eso es lo que el asesino espera.

El marido, Ray Milland, cree tenerlo todo bajo control. Es un hombre frío, ambicioso, despechado, calculador, vengativo y meticuloso pero, a pesar de llevar meses organizando el criMen, no tiene en cuenta las probabilidades de las diferentes variantes inesperadas que pueden surgir y que debido a ellas, sus planes no sean como él había estado planeando. Ahí es donde está su fallo… Su crimen es perfecto pero su planteamiento no.

La secuencia del momento del crimen me parece magistral. Grace Kelly en camisón, dirigiéndose, medio dormida, hacia el teléfono al otro lado de la oscura sala de estar, iluminada únicamente por la luz que entra desde la habitación continua mientras el insistente sonido del teléfono nos crispa los nervios. Al otro lado del teléfono su marido esperando, esperando oír que Muere. Es uno de los momentos de más tensión de la película, porque conocemos lo que va a ocurrir en cuanto descuelgue el auricular…

Todos los hechos son analizados por el aMante, Robert Cummings, escritor de novelas de suspense, el inteligente inspector de policía, John Williams, y el propio planificador del asesinato, Ray Milland, que se va dando cuenta de los fallos que ha cometido.

Poco más se puede comentar de esta historia sin desvelar elementos iMportantes. Una vez más, Hitchcock cuenta con Dimitri Tiomkin para la estupenda banda sonora.

Me gusta mucho el título en su versión original, Dial M for Murder, algo que traduciré libremente como Marca M de Muerte.

« 12 hombres sin piedad »

2011-04-13T22:02:00.005+02:00

12 Angry Men
1957

Director Sidney Lumet

Guión Reginald Rose (Teatro: Reginald Rose)

Música Kenyon Hopkins

Fotografía Boris Kaufman

Reparto Henry Fonda, Lee J. Cobb, E.G. Marshall, Jack Warden, Ed Begley, Martin Balsam, John Fiedler, Robert Webber

Duración 95 minutos

Tras escuchar todos los testimonios y valorar las pruebas presentadas, un jurado popular compuesto por doce hombres tiene que decidir, por unanimidad, si absuelve o condena a muerte a un joven acusado de haber matado a su padre. Al principio, once están completamente convencidos de su culpabilidad y se inclinan por la condena, pero el que discrepa empieza a plantear dudas razonables que, poco a poco, van resquebrajando la inicial seguridad de los demás.

Intensa película de ambiente claustrofóbico sobre las deliveraciones de un jurado, que se convirtió en el primer gran éxito del desaparecido Sydney Lumet.

Entiendo esta película como una gran crítica hacia el egoísmo de las personas, en este caso representado por los miembros de un jurado. Personas con sus prejuicios, sus virtudes, sus problemas y sus defectos en cuyas manos y, a su pesar, se pone la vida de otro hombre.

Una de las cosas que más me llama la atención del guión es que como espectadores, se nos oculta el juicio. Sólo sabemos que se trata de un asesinato, pero no se nos muestran los hechos. Estos hechos irán saliendo poco a poco en la habitación donde el jurado debe llegar a un veredicto unánime: culpable o inocente.

La habitación donde se reúnen nos transmite una sensación de ambiente teatral, ya que básicamente toda la acción tiene lugar en ella. A esto se le suma el calor sofocante de un día caluroso que debe de soportar el jurado, lo que produce cierto malestar general. Al principio, la cámara nos nuestra planos amplios pero, poco a poco, se van acortando hasta abundar los primeros planos, aumentando así esa claustrofobia que nosotros mismos empezamos a percibir.

En un principio todos tienen claro que el acusado es culpable. Sólo Henry Fonda, cuyo personaje le viene como un guante -se trata de un hombre recto, inteligente, paciente y reflexivo- se decanta por lo contrario, pero no porque lo tenga claro sino porque es el único que cree que los hechos no están tan claros como parecen y sobre todo, que el acusado merece que ellos deliberen durante al menos un rato. Se gana así, la enemistad de muchos de sus compañeros que quieren zanjar el tema rápidamente y seguir con sus vidas.

No quiero desvelar ninguna característica personal del resto de los personajes porque todo es importante para la trama, pero están presentes difererentes personalidades claramente identificables. Poco a poco vamos conociéndolos y descubriendo también cómo fueron los hechos que deben de juzgar. Cada hecho y cada prueba es debatida y cuestionada hasta llegar a un consenso y un veredicto final.

Es una obra maestra, tanto por su dirección como por el genial trabajo de todos y cada uno de sus actores (quiero destacar también a Lee J. Cobb.), por su fotografía y banda sonora y por un espléndido guión basado en la obra teatral de Reginald Rose.

Filmografía destacada de Sydney Lumet:

- Doce hombres sin piedad (1957)
- Serpico (1973)
- Asesinato en el Orient Express (1974)
- Tarde de perros (1975)
- Network (Un mundo implacable) (1976)
- Veredicto final (1982)
- Un lugar en ninguna parte (1988)
- La noche cae sobre Manhattan (1996)
- Antes que el diablo sepas que has muerto (2007)