« La caída de los gigantes »

La caída de los gigantes

Ken Follett

2010

1024 páginas

Círculo de lectores

Sigue los destinos entrelazados de tres generaciones de cinco familias: una galesa, una inglesa, una rusa, una alemana y otra estadounidense.

La caída de los gigantes, está enmarcada en los cruciales acontecimientos de la Primera Guerra Mundial y la Revolución Rusa.

Una vez más, y seguro que no será la última Ken Follett logra envolverme en un muncho mezclado de realidad y ficción. Consigue hacernos creer que sus personajes están envueltos y son testigos directos de los grandes acontecimientos que ocurrieron en los primeros años del Siglo XX: la I Guerra Mundial y la Revolución Rusa.

En esta novela, Follett ha tenido que documentarse verdaderamente bien para poder colocar a sus personajes en las vidas de aquellas personalidades que provocaron ambos conflictos internacionales. La documentación es extensa, no como otras grandes novelas anteriores suyas ambientadas en la Edad Media de la que apenas hay documentación.

Esta novela, La caída de los gigantes, es la primera entrega de una trilogía llamada The Century, que abarcará todo el Siglo XX en sus grandes conflictos internacionales.

Aunque ciertamente hay mucha historia, mucha guerra, mucha política y muchas páginas, el libro se deja leer bien porque también nos cuenta la vida de diferentes personajes: sus amores, sus desamores, sus odios, su poder, su rebeldía...  Trata también sobre la diferencia entre las clases obreras y las nobles, sobre las diferencia entre hombre y mujeres, sobre el odio entre las distintas nacionalidades...

No quiero decir más. Simplemente, si has leído ya algo de este autor, ya sabes de lo que estoy hablando. Recomiendo su lectura.

El autor: Ken Follett

Escritor británico nacido en Cardiff (Gales) el 5 de junio de 1949.

Algunas obras:

Los pilares de la tierra (1989), El tercer gemelo (1996), Alto riesgo (2001), Vuelo final (2002), En el blanco (2004), Un mundo sin fin (2008).

Aquí dejo el trailer del libro:

Más información en este blog:

- Ken Follett
- Los pilares de la tierra
- Un mundo sin fin

Woody, Niemeyer y jazz

El pasado viernes 25 de marzo tuvo lugar en la ciudad asturiana de Avilés la inauguración oficial del Centro Cultural Internacional Oscar Niemeyer, diseñado por el centenario arquitecto brasileño Oscar Niemeyer como agradecimiento a Asturias por la concesión en 1989 del Premio Príncipe de Asturias de la Artes.

El acto inaugural tuvo lugar en la noche del viernes y corrió a cargo de Woody Allen and His New Orleans Jazz Band, que deleitaron a los que nos encontrábamos allí presentes con esa música que tanto apasiona al director neoyorquino y que siempre está presente en sus películas. Música de jazz, alegre y divertida, bajo el negro cielo asturiano.

Woody Allen es un enamorado de Asturias desde que en 2002 recibiera en Oviedo el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. Visita esta tierra a menudo y también ha rodado en ella parte de la película Vicky Cristina Barcelona (2008).

El Centro Niemeyer de Avilés, pretende ser un centro multidisciplinar abierto a la cultura en todas sus variables. Consta de un auditoria para 1000 espectadores, una torre-mirador, un edificio polivalente que alberga un cine, salar de ensayo, reuniones y conferencias, una espacio expositivo diáfano y una plaza abierta.

Fotos: Centro Niemeyer

« La tierra de las cuevas pintadas »

Hacía años que una buena amiga me insistía continuamente en que debería empezar a leer un libro titulado El clan del oso cavernario de la escritora estadounidense Jean M. Auel. Ahora ya no recuerdo qué era lo que yo me imagina que sería aquel libro, que hablaba del hombre de neandertal en aquella prehistoria tan lejana a mi y que parecía tan distante de mis gustos personales. Al final, debido a su insistencia, me convenció y comencé a leerlo.

Desde aquella primera frase, donde empecé a conocer a la pequeña Ayla, quedé enganchada a ella sin remedio. Enganchada a su espíritu luchador, a su energía, a su valentía... a su vida.

Después de El clan del oso cavernario, me tiré de cabeza al siguiente libro El valle de los caballos, y así leí los tres siguientes: Los cazadores de mamuts, Las llanuras del tránsito y finalmente, Los refugios de piedra. Disfruté de los cinco libros seguidos, sin descanso, pero es que ¡no podía evitarlo!

Las detalladas descripciones de aquella prehistoria, de las costumbres de los neardentales y, posteriormente, de los cro-magnon, la posible coexistencia y relación entre ambas especies es algo que Auel nos plantea en los cinco libros. Pero esto no es sino el escenario donde vivimos, reímos, tememos y sufrimos al lado de Ayla y del resto de los personajes que van surgiendo a su alrededor.

Por fin, en unos días, el próximo martes día 29 de marzo, sale a la venta el último libro de esta saga Hijos de la Tierra, titulado La tierra de las cuevas pintadas. Y digo último, porque la mismísima autora en persona nos lo ha dicho en una entrevista reciente que Ediciones MAEVA le realizó en Londres, durante la presentación del libro. Ediciones MAEVA, días antes a esta entrevista, dio a los lectores la oportunidad de realizar preguntas a la autora que ellos le transmitirían, y precisamente mi pregunta sobre si sería el último libro de la saga es una de las que Jean M. Auel responde en la entrevista.

Con motivo de la publicación de La tierra de las cuevas pintadas, Ediciones MAEVA nos propone un concurso donde sortea tres kits de material proporcional del libro desde la web Hijos de la Tierra http://www.loshijosdelatierra.com/ en la que puede participar todo aquel que lo desee.

En mi opinión, la mejor forma de descubrir los libros, en general, es mediante la recomendación de aquellos y aquellas que sienten pasión por ellos. Igual que a mi, esta gran saga me la recomendó una gran apasionada de Hijos de la Tierra, yo quiero desde aquí, desde este pequeño capítulo de mi blog, recomendártelo a ti, lector o lectora.

Otras referencias anteriores a Hijos de la Tierra en este blog:
- 'Hijos de la Tierra' de Jean M. Auel
- La Tierra de las cuevas pintadas

Otros enlaces:
- Ediciones MAEVA
- Los Hijos de la Tierra
- Entrevista de Ediciones MAEVA a Jean M. Auel en Londres

Adiós a Elizabeth Taylor

(Londres, 27/02/1932 - Los Ángeles, 23/03/2011)

No sólo destacó por su gran belleza, reforzada por sus caracteríscios ojos color violeta, sino también por ser una de las grandes actrices de su generación.

Si hablamos de su vida personal, todos sus seguidores conocemos sus matrimonios, sus escándalos amorosos, sus problemas de sobrepeso, su afición a la bebida, a las fiestas, a las joyas y sus problemas de salud que la acompañaron desde muy joven.

Ganadora, entre otros, de dos premios Oscar a la mejor actriz por Una mujer marcada (1960) y ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966) y nominada en otras tres ocasiones más.

También se volcó en la lucha contra el SIDA. En 1992, visitó Oviedo donde, como presidenta co-fundadora de la Fundación Americana para la Investigación sobre el SIDA (amfAR), fue galardonada con el Premio Príncipe de Asturias de la Concordia.

Adiós Elizabeth Taylor.

Muchos somos los cinéfilos que seguiremos disfutando de su belleza y de su gran talento en sus múltiples películas donde Elizabeth nos hizo disfrutar de un buen cine. Cine al que llamamos cine clásico. Pero es un cine que nunca muere.

Algunas de sus mejores películas:

There's One Born Every Minute (1942)
La cadena invisible (1943)
Jane Eyre (1944)
Las rocas blancas de Dover (1944)
Julia se porta mal (1948)
Mujercitas (1949)
El padre de la novia (1950)
El padre es abuelo (1951)
Un lugar en el sol (1951)
Ivanhoe (1952)
La senda de los elefantes (1954)
Beau Brummell (1954)
La última vez que vi París (1954)
Gigante (1956)
El árbol de la vida (1957)
La gata sobre el tejado de zinc (1958)
De repente el último verano (1959)
Una mujer marcada (1960)
Cleopatra (1963)
Hotel internacional (1963)
Castillos en la arena (1965)
¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966)
La mujer indomable (1967)
Reflejos en un ojo dorado (1967)
Los comediantes (1967)

« El principito »

The Little Prince
1974
Director Stanley Donen
Rparto Richard Kiley, Bob Fosse, Steven Warner, Gene Wilder, Joss Ackland, Clive Revill, Victor Spinetti, Graham Crowden, Donna McKechnie
89 minutos

Un piloto tiene que hacer un aterrizaje forzoso en el desierto del Sahara. Allí se encuentra con un pequeño príncipe llegado del planeta B-612 que le ayuda a descubrir el sentido de la vida.

Basada en la obra de Antoine de Saint-Exupery, El principito, no tuvo el éxito de público que se esperaba. Después de haberla visto, todavía no me explico porqué.

Esta canción Little prince, que nos canta el aviador es imposible no escucharla sin que se nos escape algún sollozo de emoción contenida.

<< ¡Oh, principito! No te lleves la risa lejos de mi. >>

Creo que el guión es fiel al texto original pero se echan en falta algunas aventuras del pequeño príncipe. La caracterización del principito sí que es completamente fiel a los dibujos que nos mostró el autor. Es un niño dulce y sensible que en ningún momento se nos hace pedante con tantas preguntas que hace a todo el que se encuentra delante.

El resto de los personajes también están muy bien logrados. En el caso de la rosa, la serpiente y el zorro, nos los muestran con forma humana mientras hablan y cantan con el principito. Hay que tener en cuenta que en 1974, los efectos especiales tenían ciertas limitaciones y creo que supieron salvarlas correctamente.

El actor Gene Wilder, es el encargado de dar apariencia humana al zorro, es estupenda pero quiero hacer un comentario especial sobre la persona que da vida a la serpiente.

El director y coreógrafo Bob Fosse (Cabaret, All that jazz...), realiza una interpretación magistral de su arte como bailarín, emulando los sinuosos movimientos de una serpiente. Para los que amamos los musicales no es un descubrimiento nuevo, pero merece la pena ver cómo nos atrapa con esos movimientos, rápidos, sexuales y muy marcados, que a muchos les recordará claramente a otro grandísimo artista...

Para quién haya disfrutado ya de la mágia de El principito de Antoine de Saint-Exupery será una buena experiencia disfrutar de El principito cinematográfico, pero recuerda siempre una cosa:

'Lo esencial es invisible a los ojos'
Se espera el estreno de una película de animación basada en El principito para el año 2014.

Esta es la caraterización de Bob Fosse como serpiente, cantando y bailando Snake in the grass :

Como el libro, la película es simple, aunque antes de leer el libro no somos capaces de verlo. Se trata de un musical, de cuya dirección se encargó Stanley Donen (Cantando bajo la lluvia, Siete novias para siete hermanos, Un día en Nueva York...), todo un clásico en este género. Y una tierna y alegre banda sonora compuesta por Frederick Loewe (My fair lady, Gigi, Camelot...) que recibió dos nominaciones a los Oscar: Little prince mejor canción y mejor canción original de la BSO en 1974.

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También en este blog:

- Bob Fosse
                       - Noches en la ciudad (1969)

« Sueños de un seductor »

- Si ese avión despega y tú no estás a su lado te arrepentirás. Tal vez no hoy, ni mañana pero sí muy pronto y para el resto de tu vida.

- Eso es muy hermoso.

- Es de 'Casablanca'. ¡Toda mi vida he estado esperando decirlo!

Play It Again, Sam
1972
Director Herbert Ross
Guión Woody Allen (Teatro: Woody Allen)
Reparto Woody Allen, Diane Keaton, Tony Roberts, Jerry Lacy, Susan Anspach
Duración 87 min.

Allan Felix es un cinéfilo que sufre una alucinación recurrente exagerada: Humphrey Bogart dándole consejos sobre cómo ligar con las damas. Un matrimonio amigo suyo, Dick y Linda le presenta a varias señoritas, pero Allan tiene tan poca confianza en sí mismo que sus citan no tienen mucho éxito.

Aunque no esté dirigida por él, esta película es 100% Woody Allen en su mejor momento. Escrita para el teatro y adaptada para la gran pantalla por el propio Allen es todo una comedia inteligente y todo un homenaje a ese gran clásico: Casablanca.

El protagonista es el propio Woody, tal y como él mismo se presenta en la mayoría de sus comedias. Un personaje lleno de fobias y de miedos, de excentricidades y de neurósis, de complejos y, sobre todo, cinéfilo. Un ser por el que sentimos pena y ternura con sus meteduras de pata y sus inseguridades contínuas.

Reforzando los ingeniosos y divertidos diálogos nos encontramos con un montón de gags visuales originados por nuestro torpe protagonista, que también ve y habla a menudo con un imaginario Bogart -imitación muy lograda por parte del actor Jerry Lacy, dedibo principalmente a su parecido físico- que es el encargado de guiarle para lograr conquistar a una chica.

Dianne Keaton, en su primer trabajo con Woody Allen, está encantadora y el Tony Roberts, todo el día enganchado al primer teléfono -el teléfono fijo, claro- que encuentra, me ha parecido bastante actual... aunque en los años 70 no tenían teléfonos móviles. Ambos tienen el arduo trabajo de aguantar las paranoias de su amigo e intentar encontrarle una pareja.

« Recuerda »

Spellbound (Recuerda)
1945
Director Alfred Hitchcock
Reparto Ingrid Bergman, Gregory Peck, Leo G. Carroll, Rhonda Fleming
111 minutos

A un sanatorio psiquiátrico llega un joven director, pero con el paso de los días una doctora observa en él un extraño comportamiento relacionado con un misterioso pasado que no consigue recordar.

· Oscar a la mejor banda sonona (drama o comedia).

Como en todo, en el cine también hay modas y en los años posteriores a la II Guerra Mundia el psicoanálisis de Freud estaba de moda. Era la moda porque en el fondo era la consecuencia de esa contienda.

En Hollywood, siempre en busca de nuevas y atrayentes historias para el gran público, aprovecharon la oportunidad y realizaron un guión basado en la novela The house of Dr. Edwardes de Francis Beeding, que dirigiría el maestro del suspense Alfred Hitchcock.

Pero Hitchcock, no sólo nos da un enfoque sobre los problemas de la mente sino que además la utiliza como crítica de la psiquiatría, mostrándonos que el que un hombre esté loco tiene cura segura si su psiquiatra se enamora de él.

El psicoanálisis es básicamente el estudio de los sueños del paciente. Para mostrarnos estos sueños, Hitchcock confió en Salvador Dalí. Personalmente, como admiradora de Dalí creo que es una elección muy acertada. Nuestros sueños son laberintos rocambolescos de imágenes que muy bien podrían ser parte de alguna obra del artista catalán.

Además quiero destacar la música del genial Miklos Rozca (Ben-Hur, Días sin huella, Perdición, Quo Vadis, etc...), que nos atrapa tanto en la confusa mente del protagonista como en la historia de amor de la que somos testigos.

Y por supuesto, no haría falta que lo mencionara, el maestro aparece en una secuencia de la película. Ya sabemos que estos cameos son su sello personal y lo vamos buscando en cada fotograma. Esta búsqueda por parte del público le produjo un problema al director, ya que pensaba que el público estaba tan pendiente de encontrarlo que no prestaba atención a la trama. Encontró una solución: aparecer en los primeros minutos de la película.

¡Simplemente genial!

Otra película de Alfred Hitchcock en este blog: Rebeca (1940)

« Voces en imágenes »

Voces en imágenes (2008) es un documental de Alfonso S. Suárez donde se hace homenaje a esos grandes y desconocidos profesionales del cine español. De estos actores y actrices sólo conocemos sus voces. Voces que asociamos a actores y actrices, generalmente, extranjeros y que también asociamos a grandes momentos del cine.

Su trabajo no es reconocido por la mayoría pero sin ellos, muchas películas no serían tan grandes. Estos grandes profesionales no son los dobladores, son los actores y actrices de doblaje.

Los cinéfilos asociamos una escena, una música, un actor/actriz y... una voz en español a grandes momentos cinematográficos.

Son muchos pero quiero nombrar a unos pocos:

• Matilde Conesa (Bette Davis en Jezabel, La loba...)
  


• Elsa Fábregas (Vivien Leight en Lo que el viento se llevó)
  


• María Luísa Solá (Susan Sarandon en Thelma & Louise)
  


• Camilo García (Anthony Hopkins en El siencio de los corderos)
  


• José Guardiola (Bogart en Casablanca)
  


• Joan Pera (Woody Allen)

Más información en las webs:
Voces en imágines [ver]
Voces de cine [ver]
El doblaje [ver]

« Pan negro »

Pa negre
2010
Director Agustí Villaronga
Reparto Francesc Colomer, Nora Navas, Roger Casamajor, Marina Comas, Laia Marull, Eduard Fernández, Sergi López
Duración 108 min.

Durante los duros años de la postguerra, en una zona rural de Cataluña, un niño llamado Andreu, cuya familia pertenece al bando de los perdedores, encuentra un día en el bosque los cadáveres de un hombre y su hijo. Las autoridades sospecha de su padre, pero Andreu intentará encontrar al culpable. En estas circunstancias, se produce en Andreu el despertar de una conciencia moral que se opone a la mentira como instrumento del mundo de los adultos.

Un cuento, una leyenda, una historia de viejas... en la postguerra española para ocultar la realidad a un niño. Niño, sí, pero tonto no. Las mentes infantiles dan muchas vueltas a esas cosas de las que hablan lo mayores y que los niños no deben conocer. Para que no las conozcan, les cuentan una leyenda pero llega un momento en que la vida da un giro y la leyenda deja de ser leyenda para convertirse en un realidad. Una triste realidad que afecta de lleno a la familia del pequeño Andreu.

Poco a poco Andreu irá conociendo esa realidad y, aún siendo niño, empezará a pensar por sí mismo según van surgiendo los acontecimiendos a su alrededor. Hay muchas formas de que la infacia se quede atrás... Me parece una buena película, sobre todo en lo referente a la parte de decorados, vestuario, etc... y especialmente a su reparto. Todos los actores adultos están asombrosos. Sergi López cada vez más metido en este tipo de villano, me encanta. A Nora Navas no la conocía pero cómo nos transmite es miedo y ese afán de sobrevivir. A Laila Marull, la vemos poco, pero cuando la vemos, nos deja de piedra. En cuanto a los niños, en fin, son niños... y lo hacen bien.

Premios 2010
Festival de San Sebastián: mejor actriz (Nora Navas)
9 Premios Goya: mejor película, mejor director, mejor actriz principal (Nora Navas), mejor actriz secundaria (Laia Marull), mejor actor revelación (Francesc Colomer), mejor actriz revelación (Marina Comas), mejor guión adaptado, mejor fotografía y mejor dirección artística.

« Balada triste de trompeta »

Balada triste de trompeta
2010
Director Álex de la Iglesia
Reparto Carlos Areces, Antonio de la Torre, Carolina Bang, Santiago Segura, Sancho Gracia, Manuel Tejada, Manuel Tallafé, Alejandro Tejerías, Fernando Guillén Cuervo, Terele Pávez, Luis Varela, Raúl Arévalo, Fran Perea
Duración 107 min

Año 1937. En plena guerra civil, tropas republicanas irrumpen en un circo, durante el espectáculo, para reclutar a sus empleados para luchar contra las tropas nacionales. Mucho tiempo después, en los últimos años del franquismo, dos payasos luchan por el amor de una atractiva trapecista.

La vi simplemente por curiosidad. Pensaba que no me iba a gustar nada, e incluso que no la terminaría de ver pero me llamaba la atención y al final me decidí a verla. Me llevé una sorpresa. ¡Una grata sorpresa!

Los títulos de iniciales ya me gustaron por lo originales que son y durante la primera hora, la película sigue un hilo argumental normal hasta que en este punto el toque Alex de la Iglesia surje para sorprendernos y empieza el desfase característico del director, transformando la historia en algo sórdido, gore y loco. A parte de la historia que nos cuenta, toda la parte técnica de la película es impecable.

La acción se desarrolla al principio en la Guerra Civil Española y después en el Madrid de 1973, en pleno franquismo. La mayoría de las vivencias de los personajes tienen lugar al mismo tiempo que hechos tristes de la Dictadura y en lugares emblemáticos de la Historia de España. Con esto de fondo, Álex de la Iglesia, como ya ha hecho en otras ocasiones se inspira -o imita- grandes películas clásicas.

No es una película recomendable para cualquiera, sólo para aquellos que conocen el tipo de cine que hace este director. A mí no es que me guste especialmente Álex de la Iglesia pero algunas de sus películas me engancharon y ésta es una de ellas.

Premios 2010
Festival de Venecia: mejor director y mejor guión.
Premios Goya: mejor maquillaje y/o peluquería y mejores efectos especiales.